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Channel: Music – Packaging News Online

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Mi incipiente síndrome de Diógenes y una obsesión por el completismo que bordea lo malsano me han empujado durante los últimos meses a protagonizar un curioso experimento que les explico a continuación. Desde hace años procuro comprar prensa en papel, un par de cabeceras, al menos el sábado y el domingo para concederme algo de lectura reposada y de análisis de la realidad que complementen los chapuzones internáuticos que nos damos a diario en las webs de los medios o en las redes sociales. El caso es que, por circunstancias, iba más o menos al día con los periódicos, pero los suplementos dominicales se iban quedando arrumbados y apilándose en una inestable torre papelera hasta sumar unas sesenta o setenta revistas. Por supuesto, llegó el momento de afrontar el problema (y eludir choques domésticos) y me dispuse disciplinadamente a acabar con esa pila informativa, que empecé a leer desde los suplementos más modernos a los más antiguos. Este retroceso progresivo me llevó a adentrarme en el pasado y a toparme, poco a poco, con análisis obsoletos (sobre todo de la pandemia y sus circunstancias), artículos que ya no merecía la pena leer, opiniones caducas y algunas bofetadas de realidad, todo ello contenido en revistas convertidas en cajones extraños… En ellos había olvido y hastío, pero también un buen número de columnas, textos, reportajes y artículos que me habría dolido perderme. En unas semanas he podido recordar dónde estuvimos, por dónde pasamos, qué pensábamos… además de comprobar la certeza de augurios y profecías, e incluso relativizar y valorar la suerte que hemos tenido.

Este camino inverso en el tiempo me recordó a un juego al que solía jugar de chaval, ya entre las sábanas antes de dormir, cuando trataba de desandar la ruta de pensamientos que me había llevado hasta cierta idea o recuerdo. De niño, de manera intuitiva y por mero entretenimiento, ya disfrutaba echando la vista atrás y comprobando hasta dónde podía llegar en ese retroceso. En cualquier caso, lo importante del experimento de lectura inversa es el grado de comprensión que me ha otorgado, pese a tratarse de asuntos recientes y que nos han dejado una huella especial. Mirar atrás sirve para derribar la tiranía de la inmediatez, la cultura del instante que entre todos hemos construido y que el vértigo de las redes sociales y de internet ha fomentado. Perspectiva, análisis, conocimiento, antecedentes, discernimiento… Todo eso conseguimos retrocediendo en el tiempo.

Si lo llevamos a nuestro terreno, que al fin y al cabo esta columna se publica en un medio de golf, podemos coger la trayectoria de cualquier jugador y trazar ese camino. El Rahm de hoy es la suma del que tuvo que retirarse en los Juegos Olímpicos poco después de haber deslumbrado en el Campeonato abierto y de haber logrado aquella victoria kármica en el Abierto de Estados Unidos, dejando atrás la decepción que supuso su retirada en El memorial… y así podríamos seguir hasta sus primeros pasos en el golf. Su camino lo componen todos los pasos que ha dado, sin obviar ninguno.

Del mismo modo, disfrutamos de un deporte único con muchos siglos de historia. Si deciden retroceder en el tiempo, dondequiera que miren encontrarán una infinidad de historias maravillosas y episodios míticos, muchos de ellos ya casi olvidados, que nos han traído hasta aquí. Les invito a que curioseen y descubran, por ejemplo, que el nombre Callejón de Hogan, otorgado a varios campos (o partes de ellos) donde Ben Hogan dejó su impronta en los años 40 o 50 (como Riviera, Colonial o Carnoustie) procede de un cómic pionero insertado por el magnate de la prensa Joseph Pulitzer en una de sus cabeceras, el Mundo de Nueva York, o que el término Amen Corner, acuñado por el periodista Herbert Warren Wind para identificar el célebre tramo de Augusta National que comprende los hoyos 11, 12 y 13, procede en realidad de un tema de jazz, Gritando en el rincón del amén, inmortalizado por la cantante Mildred Bailey.

Son infinitas las historias, curiosidades y anécdotas que encontrarán en cuanto rasquen una pizca. Nosotros nos debemos a la actualidad, pero nos esforzaremos en ayudarles a descubrir las infinitas facetas de este deporte, los ladrillos que han construido el panorama actual, las aparentes nimiedades que han conformado las leyendas.

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Mi incipiente síndrome de Diógenes y una obsesión por el completismo que bordea lo malsano me han empujado durante los últimos meses a protagonizar un curioso experimento que les explico a continuación. Desde hace años procuro comprar prensa en papel, un par de cabeceras, al menos el sábado y el domingo para concederme algo de lectura reposada y de análisis de la realidad que complementen los chapuzones internáuticos que nos damos a diario en las webs de los medios o en las redes sociales. El caso es que, por circunstancias, iba más o menos al día con los periódicos, pero los suplementos dominicales se iban quedando arrumbados y apilándose en una inestable torre papelera hasta sumar unas sesenta o setenta revistas. Por supuesto, llegó el momento de afrontar el problema (y eludir choques domésticos) y me dispuse disciplinadamente a acabar con esa pila informativa, que empecé a leer desde los suplementos más modernos a los más antiguos. Este retroceso progresivo me llevó a adentrarme en el pasado y a toparme, poco a poco, con análisis obsoletos (sobre todo de la pandemia y sus circunstancias), artículos que ya no merecía la pena leer, opiniones caducas y algunas bofetadas de realidad, todo ello contenido en revistas convertidas en cajones extraños… En ellos había olvido y hastío, pero también un buen número de columnas, textos, reportajes y artículos que me habría dolido perderme. En unas semanas he podido recordar dónde estuvimos, por dónde pasamos, qué pensábamos… además de comprobar la certeza de augurios y profecías, e incluso relativizar y valorar la suerte que hemos tenido.

Este camino inverso en el tiempo me recordó a un juego al que solía jugar de chaval, ya entre las sábanas antes de dormir, cuando trataba de desandar la ruta de pensamientos que me había llevado hasta cierta idea o recuerdo. De niño, de manera intuitiva y por mero entretenimiento, ya disfrutaba echando la vista atrás y comprobando hasta dónde podía llegar en ese retroceso. En cualquier caso, lo importante del experimento de lectura inversa es el grado de comprensión que me ha otorgado, pese a tratarse de asuntos recientes y que nos han dejado una huella especial. Mirar atrás sirve para derribar la tiranía de la inmediatez, la cultura del instante que entre todos hemos construido y que el vértigo de las redes sociales y de internet ha fomentado. Perspectiva, análisis, conocimiento, antecedentes, discernimiento… Todo eso conseguimos retrocediendo en el tiempo.

Si lo llevamos a nuestro terreno, que al fin y al cabo esta columna se publica en un medio de golf, podemos coger la trayectoria de cualquier jugador y trazar ese camino. El Rahm de hoy es la suma del que tuvo que retirarse en los Juegos Olímpicos poco después de haber deslumbrado en el Campeonato abierto y de haber logrado aquella victoria kármica en el Abierto de Estados Unidos, dejando atrás la decepción que supuso su retirada en El memorial… y así podríamos seguir hasta sus primeros pasos en el golf. Su camino lo componen todos los pasos que ha dado, sin obviar ninguno.

Del mismo modo, disfrutamos de un deporte único con muchos siglos de historia. Si deciden retroceder en el tiempo, dondequiera que miren encontrarán una infinidad de historias maravillosas y episodios míticos, muchos de ellos ya casi olvidados, que nos han traído hasta aquí. Les invito a que curioseen y descubran, por ejemplo, que el nombre Callejón de Hogan, otorgado a varios campos (o partes de ellos) donde Ben Hogan dejó su impronta en los años 40 o 50 (como Riviera, Colonial o Carnoustie) procede de un cómic pionero insertado por el magnate de la prensa Joseph Pulitzer en una de sus cabeceras, el Mundo de Nueva York, o que el término Amen Corner, acuñado por el periodista Herbert Warren Wind para identificar el célebre tramo de Augusta National que comprende los hoyos 11, 12 y 13, procede en realidad de un tema de jazz, Gritando en el rincón del amén, inmortalizado por la cantante Mildred Bailey.

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Natalie Cole asiste a la gala Race to Erase MS en Los Ángeles el 2 de mayo de 2014. Foto por Jim Ruymen/UPI

LOS ÁNGELES, ene. 1 (UPI) — La cantante Natalie Cole murió a causa de una insuficiencia cardiaca congestiva el viernes en un hospital de Los Ángeles el pasado viernes. Ella tenía 65 años.

“Es con el corazón pesado que les traemos la noticia del fallecimiento de nuestra Madre y hermana. Natalie se enfrentó en una feroz y valiente batalla, muriendo cómo vivía … con dignidad, fuerza y honor. Nuestra querida Madre y hermana será extrañada y permanecerá inolvidables en nuestros corazones para siempre “, dijo su familia en un comunicado el viernes.

TMZ informó que Cole había estado sufriendo de complicaciones de un trasplante de riñón y hepatitis C, y se vio obligada a cancelar varias presentaciones recientes, poco antes de su muerte.

La hija de la leyenda de la música Nat King Cole era mejor conocida por sus canciones “This Will Be” y “Unforgettable”, que grabó como un dueto virtual con su difunto padre.

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“Es con el corazón pesado que les traemos la noticia del fallecimiento de nuestra Madre y hermana. Natalie se enfrentó en una feroz y valiente batalla, muriendo cómo vivía … con dignidad, fuerza y honor. Nuestra querida Madre y hermana será extrañada y permanecerá inolvidables en nuestros corazones para siempre “, dijo su familia en un comunicado el viernes.

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Bastaría con repasar algunos de los nombres más importantes en la carrera de Ray Charles Leonard, para tener también un panorama de lo que fueron sus tiempos, puesto que puede afirmarse que peleó con todos: Wilfred Benítez, Roberto “Manos de Piedra” Durán,, Thomas Hearns, Terry Norris, Héctor “Macho” Camacho o Marvelous Marvin Hagler.

Es justo recordar que en esos años 80, todos peleaban con todos y por eso imprimieron su sello a una época que hoy parece irrepetible. Nacido el 17 de mayo de 1956 en Wilmington, Carolina del Norte, se metió por primera vez en un gimnasio de boxeo a los 14 en Palmer Park, Maryland, donde conoció a Dave Jacobs.

El nombre le viene de su madre, en honor a Ray Charles, el gran compositor. Y cuando comenzó a crecer en el ambiente amateur le vino el “Sugar”por Ray Robinson.

Ganó varios campeonatos nacionales, incluyendo los célebres Guantes de Oro y en el 76 no solo obtuvo la medalla dorada en los Juegos Olímpicos de Montreal, sino también el galardón al mejor boxeador de la competencia.

Su historia es conocida. A pesar de si mismo se pasó al campo profesional y en esos tiempos conoció a su gran ídolo, Muhammad Alí. “Si quieres triunfar en esto te doy un solo consejo y es que entrenes con Angelo (Dundee), porque es el mejor de todos”.

Su sonrisa llena de simpatía, su boxeo alegre pero al mismo tiempo efectivo, sus piernas privilegiadas y una personalidad que convencía a todos lo fueron llevando a ser la figura más atractiva del momento. Su gran victoria ante Wilfredo Benítez por el campeonato welter WBC en 1979 fue la que lo proyectó para su pelea con Roberto “Mano de Piedra” Durán, justamente en Montreal, el escenario de su medalla olímpica, en junio del 80.

La historia se sabe: decidido a demostrar que no era “un invento de la televisión” decidió pelearlo a Durán en el terreno que dominaba el panameño y perdió por puntos, generando una revancha inmediata en la que fue, además, el promotor. Aquel “No más” de Nueva Orleans pasó a la historia y Leonard se cobró la derrota bailando, poniendo la cara y humillando al panameño.

Leonard es el símbolo de un estilo vivaz y elegante, por momentos provocador, por momentos lleno de soberbia. Sus piernas, sus golpes anunciados al estilo del “Bolo punch” y su tremenda velocidad de descargas se sumaron a su coraje. Iba abajo en la tarjetas cuando arrolló a Thomas Hearns en el 81 en el Caesars Palace.

Campeón en peso welter, super welter, mediano, super mediano y medio pesado, fue también, producto del marketing. Solía posar en las fotos con el Wall Street Journal, ya que después de todo, fue el primero en ganar más de cien millones de dólares. Aquella noche cuando obtuvo dos coronas en la misma pelea ante Donny Lalonde fueron también producto de su habilidad para imponer condiciones de kilaje y hasta de rounds (se disputaron las coronas super mediano y medio pesado pero el límite para el canadiense fue menor al de los medio pesados).

Ante Lalonde fue al suelo y terminó ganando por nocaut técnico. Cuando se midió con Marvelous Marvin Hagler, en abril de 1987, manejó la cantidad de asaltos y ganó por puntos en una de las noches más recordadas del Caesars Palace, cuando contra todos los pronósticos obtuvo el campeonato mundial de los medianos.

Se retiró del boxeo y regresó tantas veces que se perdió la cuenta. Una lesión en el ojo le causó desprendimiento de retina en su primera pelea con Hearns y así y todo, volvió. Cuando cayó ante Terry Norris -9 de febrero de 1991, en su única pelea en el Madison Square Garden de Nueva York- pensamos que habíamos asistido a su despedida.

Norris pudo haberlo noqueado, pero le ganó por puntos. Orgulloso, Leonard se plantó hasta el final y luego, entre lágrimas y flanqueado por su hijo, anunció que había sido su última pelea. Los periodistas presentes en esa conferencia de prensa rompimos los protocolos para aplaudirlo. Fue un adiós emocionante pero ficticio.

El 1ro de marzo de 1997 enfrentó a Héctor “Macho” Camacho en Atlantic City y cayó sin pena ni gloria, cercano a los 41: lesionado en las piernas casi no pudo ofrecer resistencia y terminó perdiendo en el quinto round cuando Joe Cortez detuvo la pelea. Fue su tercera derrota en una campaña de 36 victorias con 25 nocauts y un empate, y la única antes del limite.

Fue y vino, fue promotor, tuvo serios problemas de drogadicción, se desempeñó como comentarista de televisión y siempre mantuvo una situación cálida, pero ligeramente distante con la prensa. Cuando estuvo en Buenos Aires en una gira promocional, le preguntamos por qué había insistido tantas veces en regresar. “Porque los boxeadores somos guerreros, porque necesitamos del desafío y de la adrenalina”.

Hoy cuando la palabra “regreso” parece más que moda que nunca, Ray “Sugar” Leonard cumple 65 años. Y basta cerrar los ojos para evocar tantos momentos que le dio al boxeo, que es casi imposible no sentir, una vez más, el deseo de decirle “Gracias por todo,Ray, gracias por todo”.

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Es justo recordar que en esos años 80, todos peleaban con todos y por eso imprimieron su sello a una época que hoy parece irrepetible. Nacido el 17 de mayo de 1956 en Wilmington, Carolina del Norte, se metió por primera vez en un gimnasio de boxeo a los 14 en Palmer Park, Maryland, donde conoció a Dave Jacobs.

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Ganó varios campeonatos nacionales, incluyendo los célebres Guantes de Oro y en el 76 no solo obtuvo la medalla dorada en los Juegos Olímpicos de Montreal, sino también el galardón al mejor boxeador de la competencia.

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Su sonrisa llena de simpatía, su boxeo alegre pero al mismo tiempo efectivo, sus piernas privilegiadas y una personalidad que convencía a todos lo fueron llevando a ser la figura más atractiva del momento. Su gran victoria ante Wilfredo Benítez por el campeonato welter WBC en 1979 fue la que lo proyectó para su pelea con Roberto “Mano de Piedra” Durán, justamente en Montreal, el escenario de su medalla olímpica, en junio del 80.

La historia se sabe: decidido a demostrar que no era “un invento de la televisión” decidió pelearlo a Durán en el terreno que dominaba el panameño y perdió por puntos, generando una revancha inmediata en la que fue, además, el promotor. Aquel “No más” de Nueva Orleans pasó a la historia y Leonard se cobró la derrota bailando, poniendo la cara y humillando al panameño.

Leonard es el símbolo de un estilo vivaz y elegante, por momentos provocador, por momentos lleno de soberbia. Sus piernas, sus golpes anunciados al estilo del “Bolo punch” y su tremenda velocidad de descargas se sumaron a su coraje. Iba abajo en la tarjetas cuando arrolló a Thomas Hearns en el 81 en el Caesars Palace.

Campeón en peso welter, super welter, mediano, super mediano y medio pesado, fue también, producto del marketing. Solía posar en las fotos con el Wall Street Journal, ya que después de todo, fue el primero en ganar más de cien millones de dólares. Aquella noche cuando obtuvo dos coronas en la misma pelea ante Donny Lalonde fueron también producto de su habilidad para imponer condiciones de kilaje y hasta de rounds (se disputaron las coronas super mediano y medio pesado pero el límite para el canadiense fue menor al de los medio pesados).

Ante Lalonde fue al suelo y terminó ganando por nocaut técnico. Cuando se midió con Marvelous Marvin Hagler, en abril de 1987, manejó la cantidad de asaltos y ganó por puntos en una de las noches más recordadas del Caesars Palace, cuando contra todos los pronósticos obtuvo el campeonato mundial de los medianos.

Se retiró del boxeo y regresó tantas veces que se perdió la cuenta. Una lesión en el ojo le causó desprendimiento de retina en su primera pelea con Hearns y así y todo, volvió. Cuando cayó ante Terry Norris -9 de febrero de 1991, en su única pelea en el Madison Square Garden de Nueva York- pensamos que habíamos asistido a su despedida.

Norris pudo haberlo noqueado, pero le ganó por puntos. Orgulloso, Leonard se plantó hasta el final y luego, entre lágrimas y flanqueado por su hijo, anunció que había sido su última pelea. Los periodistas presentes en esa conferencia de prensa rompimos los protocolos para aplaudirlo. Fue un adiós emocionante pero ficticio.

El 1ro de marzo de 1997 enfrentó a Héctor “Macho” Camacho en Atlantic City y cayó sin pena ni gloria, cercano a los 41: lesionado en las piernas casi no pudo ofrecer resistencia y terminó perdiendo en el quinto round cuando Joe Cortez detuvo la pelea. Fue su tercera derrota en una campaña de 36 victorias con 25 nocauts y un empate, y la única antes del limite.

Fue y vino, fue promotor, tuvo serios problemas de drogadicción, se desempeñó como comentarista de televisión y siempre mantuvo una situación cálida, pero ligeramente distante con la prensa. Cuando estuvo en Buenos Aires en una gira promocional, le preguntamos por qué había insistido tantas veces en regresar. “Porque los boxeadores somos guerreros, porque necesitamos del desafío y de la adrenalina”.

Hoy cuando la palabra “regreso” parece más que moda que nunca, Ray “Sugar” Leonard cumple 65 años. Y basta cerrar los ojos para evocar tantos momentos que le dio al boxeo, que es casi imposible no sentir, una vez más, el deseo de decirle “Gracias por todo,Ray, gracias por todo”.

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«Este disco es una invitación a amar mejor, a llorar y a reírse del drama»

Más de veinte años como percusionista en el flamenco avalan a Pablo Gómez Molina, que ahora debuta con su proyecto solista explorando dese el bolero glam hasta los ritmos mediterráneos.

Texto: EFE EME.
Fotos: ESTELA GARCÍA.

Con dos décadas de oficio a las espaldas, Pablo Gómez Molina ha decidido dar el salto con su propio proyecto en solitario. Pasa así de ser percusionista de flamenco y trabajar con gente de la talla de Rosalía o María José Llergo a ser cantante y compositor de sus propias canciones. En los últimos meses ha adelantado varias piezas de su debut, Como ateo en el amor, un viaje musical en el que recorre América sin olvidar su origen mediterráneo. Para ello ha contado con la producción de David Carrasco y la colaboración de músicos como Héctor Rojo, Carlos Sarduy, Chiloé y Roberto Lavella, habituales entre otros de Chucho Valdés, Coque Malla, Manuel Carrasco, Jorge Drexler o Dani Martín. Esta es su historia.

¿De dónde vienes?
Vengo de Barcelona, hijo de padre madrileño y madre andaluza. He tocado dentro del circuito flamenco español con artistas como Matías López, Alfonso Aroca, Sergio de Lope (los tres ganadores del Cante de las Minas, el premio más importante del flamenco a nivel mundial), Amador Rojas, Juan Carlos Gómez, Alba Carmona, Rosalía, María José Llergo, Mariola Membrives y un sinfín de artistas tanto del flamenco como del jazz. Soy licenciado en Jazz y Música moderna por la Escuela Superior de Música de Cataluña, ESMUC. Algunas de las bandas en las que he participado y participo son Entre Orillas; Las Migas, en sus inicios junto a Silvia Pérez Cruz; Numen, de la pianista Melodie Gimard; Lotería, de Karen Lugo, y actualmente he compuesto música para Karen Lugo y Marcos Flores, recién estrenada en los teatros del Canal de Madrid. Aparte, soy el director musical y compositor del colectivo interdisciplinar Interestelab Collective.

¿Cómo nace el proyecto?
El proyecto nace en el verana del 2018 y después de tocar en un festival de flamenco, La Noche Blanca de Córdoba, donde acompañaba a varios artistas de los arriba mencionados. Quise componer un tema para una chica del público, sin más. Una vez, estando en Nueva Zelanda de gira con Paul Bosauder, aproveché que tenía en mi casa a uno de los trompetistas más cotizado y talentoso, Carlos Sarduy, de la formación de Chucho Valdés, y le pedí que cuando yo llegara de gira grabásemos la trompeta para el tema de dicha chica. Poco después me vi con un tema arreglado al más puro estilo mexicano, y fui a llevárselo a Córdova, pero… ni caso… jejeje, así que después de cantarlo y de ver la respuesta de mis amigos, decidí componer más temas. Después de tener unos cuantos, el 9 de junio iba a rodar mi primer videoclip en una localización de Barcelona, en un cementerio. Finalmente, no fui a grabar ese día, pero acabé yendo a ese cementerio a dejar las ceniza de mi madre, ya que se fue el 9 de junio de 2019, de la noche a la mañana. En el 2020, después de estrenar una película de Tod Browning (1927) en la filmoteca de Cataluña con música mía, y después de componer varios temas para Interestelab Collective y olvidarme de mi disco y de mis ganas de cantar, empezó el confinamiento… Pocos días después de empezar la era Covid, mi amigo David Carrasco me dijo que ahora tenía tiempo para que nos pusiéramos con mi disco, tal y como le dije en septiembre del 2019. Por aquel entonces necesitaba que me echara un cable, porque después de la muerte de mi madre y componiendo todo lo que estaba haciendo, necesitaba a alguien con ideas nuevas y más metido en una onda diferente a la mía, que le diera otro color para sumarse a mi historia.

Describe tu sonido.
Mi sonido es tan amplio como la música que escucho. No uso el estilo como discurso; más bien los estilos están al servicio de mi discurso. Puede ser un sonido teñido de músicas del mundo, que recurren a sonidos más de banda sonora. Es un sonido que siempre lleva a la imagen, porque siempre compongo desde la imagen.

Principales influencias.
Ennio Morricone, Chet Baker, Jun Miyake, Omara Portuondo, Dulce Pontes, Lhasa de Sela, Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Enrique Morente, Benny Moré. Los Tres Ases, Los Zafiros, Koop Island, Massive Atack, Chopin, Vicente Amigo, Ibrahim Maalouf, Chavela Vargas, Los Tornados, Jorge Drexler, Michael Kiwanuka, Parfum Theremine, Marchena, Sevdaliza, Daniel Me Estás Matando, Ane Brun, Arthur H, Ismael Lo, Jean Michel Jarre, La Lupe, Los Macorinos, Calexico, Cesária Évora, Asaf Avidan y un interminable etcétera.

¿Cómo definirías tu nuevo disco?
Tal y como reza en la nota de prensa, «Es un viaje que viene a hablarnos de amores y desamores ideales. Encarna al eterno amante que no tiene punto medio y que, evidentemente, se cree en muchas ocasiones ateo en el amor. Unas veces se a ve a sí mismo como un tren fantasma que viaja sin hacer concesiones, sin paradas en su camino, sin destinos explícitos, bajo la premisa de que quien avisa no es traidor y que cualquiera que quiera subirse al tren debe saber que no circula más su amor. En cambio, otras veces se enreda con amores imposibles, fruto de todas esas redes que le tienen atrapado en la búsqueda de nuevas historias, que no van más allá de largas horas de conquista de pantalla. Este macho alga se pregunta si el amor es una fruta de temporada, si madura con el calor o la marchitan las heladas. Convive con su alter ego, quien jamás le deja en paz, siempre recordándole que lo hace muy mal y ellas… siempre lo hacen muy bien. Este viaje no es apto para desertores del limbo». En definitiva, es un disco que empieza hablando de una conquista para acabar despidiéndose de la que finalmente resulta ser la mujer de su vida: su madre. De principio a fin habla de amor y desamor, desde el drama y lo irónico. Ambas visiones siempre van de la mano, es una tragicomedia.

Tu disco suena, o te gustaría que sonara, como los de…
Como los de antes, bien arreglados, con sonidos más vintage, pero también como los de ahora, con instrumentos más modernos e incluso percusiones electrónicas.

Cinco discos de cabecera.
Chet Baker canta, el Chet Baker; OK, de Talvin Singh; Ciudad de las ideas, de Vicente Amigo; Omega, de Enrique Morente, y Mezzazina, de Massive Attack.

Cinco canciones perfectas.
“Sodade”, de Cesária Évora; “Beirut”, de Ibrahim Maalouf; “Adagio”, de Albinoni; “La boxeuse amoureuse”, de Arthur H y “Alviverde”, de Jun Miyake.

¿Prefieres estudio o directo?
Vivo en mi estudio (literalmente) y vivo para y por los directos.

¿A quién te gustaría telonear?
A Natalia Lafourcade.

¿En qué disco de homenaje te gustaría participar?
Un disco de homenaje a cualquiera de los grandes de la música de autor o que tenga que ver con las víctimas de género o las madres.

¿Qué canción del disco es la que mejor te representa y por qué?
Todas las del disco me representan, en cuanto a que es casi un trabajo autobiográfico… pero quizás me identifico más con “Lilith”, porque simboliza el miedo que siempre le tuve a la muerte desde pequeño, ya que mi madre padecía una cardiopatía y siendo un niño se me presentó en varias ocasiones. Lilith es esa mujer imaginaria encarnada en la muerte, con quien años más tarde me vuelvo a encontrar pero esta vez asumiendo que es una amante de la que jamás podré separarme, y ya con la edad, y habiendo pasado por la muerte que me amedrentaba de niño, puedo desde una madurez hablarle a la cara sin rencor, más bien con aceptación.

¿Cómo eres encima de un escenario?
Siempre he sido percusionista y además de flamenco, una música sobria y jonda que llevo tocando más de veinte años, así que siempre me he definido como alguien muy serio encima del escenario. Así, hasta que el año pasado presenté estos temas en Almería, a modo de prueba, y descubrí en mí una parte más monologuista y cómica. Al fin y al cabo, en este espectáculo defiendo mi vida y eso me permite conectar más con la historia. Pero soy prácticamente virgen como cantante, y creo que eso es parte del atractivo, puesto que es gracioso haberme visto veinte años encima de un escenario y ahora ser yo el artista principal con un repertorio cargado de ironía e intensidad amorosa. El formato ideal es de ocho músicos: contrabajo, batería, guitarra, teclados, voces y sección de metales. Más reducido seríamos el formato «rock»: voz, guitarra, bajo y teclado, y aún más reducido, o yo solo o con mi gran aliado y coproductor de la historia, David Carrasco, a los coros e instrumentos varios. Los dos podemos defenderlo y lo hacemos muy bonito e íntimo. Es un maestro que ha acompañado y acompaña a los grandes de la música española. En definitiva, es toda una aventura, tanto para mí como para el público.

¿Qué planes tienes este año?
Seguir trabajando en la oficina, jejeje, porque todo lo hago yo, desde buscar editorial, distribuidora, conectar con gabinete de prensa o buscar bookers hasta hacerme mi pagina web y llevar mis redes, así que tengo mucho trabajo. En principio quiero montar una campaña de mecenazgo para poder costear los gastos de músicos y sala, y poder hacer un estreno en condiciones en Madrid, a no ser que alguien se interese por hacerlo, pero en principio pienso seguir componiendo para mí y para otros artistas, trabajar en mi oficina e intentar debutar en México, que es y ha sido siempre mi principal objetivo.

Tienes cincuenta palabras para vender tu primer disco. ¡Adelante!
Este disco es un viaje a las entrañas del amor, ya sea para con uno mismo o con otras personas. Es un desnudo integral, un viaje de ida y vuelta, una apuesta contra corriente en un mundo musical, efímero y convencional. Es una invitación a amar mejor, a llorar y a reírse del drama.

Anterior De estreno: Miss Raisa.

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«Este disco es una invitación a amar mejor, a llorar y a reírse del drama»

Más de veinte años como percusionista en el flamenco avalan a Pablo Gómez Molina, que ahora debuta con su proyecto solista explorando dese el bolero glam hasta los ritmos mediterráneos.

Texto: EFE EME.
Fotos: ESTELA GARCÍA.

Con dos décadas de oficio a las espaldas, Pablo Gómez Molina ha decidido dar el salto con su propio proyecto en solitario. Pasa así de ser percusionista de flamenco y trabajar con gente de la talla de Rosalía o María José Llergo a ser cantante y compositor de sus propias canciones. En los últimos meses ha adelantado varias piezas de su debut, Como ateo en el amor, un viaje musical en el que recorre América sin olvidar su origen mediterráneo. Para ello ha contado con la producción de David Carrasco y la colaboración de músicos como Héctor Rojo, Carlos Sarduy, Chiloé y Roberto Lavella, habituales entre otros de Chucho Valdés, Coque Malla, Manuel Carrasco, Jorge Drexler o Dani Martín. Esta es su historia.

¿De dónde vienes?
Vengo de Barcelona, hijo de padre madrileño y madre andaluza. He tocado dentro del circuito flamenco español con artistas como Matías López, Alfonso Aroca, Sergio de Lope (los tres ganadores del Cante de las Minas, el premio más importante del flamenco a nivel mundial), Amador Rojas, Juan Carlos Gómez, Alba Carmona, Rosalía, María José Llergo, Mariola Membrives y un sinfín de artistas tanto del flamenco como del jazz. Soy licenciado en Jazz y Música moderna por la Escuela Superior de Música de Cataluña, ESMUC. Algunas de las bandas en las que he participado y participo son Entre Orillas; Las Migas, en sus inicios junto a Silvia Pérez Cruz; Numen, de la pianista Melodie Gimard; Lotería, de Karen Lugo, y actualmente he compuesto música para Karen Lugo y Marcos Flores, recién estrenada en los teatros del Canal de Madrid. Aparte, soy el director musical y compositor del colectivo interdisciplinar Interestelab Collective.

¿Cómo nace el proyecto?
El proyecto nace en el verana del 2018 y después de tocar en un festival de flamenco, La Noche Blanca de Córdoba, donde acompañaba a varios artistas de los arriba mencionados. Quise componer un tema para una chica del público, sin más. Una vez, estando en Nueva Zelanda de gira con Paul Bosauder, aproveché que tenía en mi casa a uno de los trompetistas más cotizado y talentoso, Carlos Sarduy, de la formación de Chucho Valdés, y le pedí que cuando yo llegara de gira grabásemos la trompeta para el tema de dicha chica. Poco después me vi con un tema arreglado al más puro estilo mexicano, y fui a llevárselo a Córdova, pero… ni caso… jejeje, así que después de cantarlo y de ver la respuesta de mis amigos, decidí componer más temas. Después de tener unos cuantos, el 9 de junio iba a rodar mi primer videoclip en una localización de Barcelona, en un cementerio. Finalmente, no fui a grabar ese día, pero acabé yendo a ese cementerio a dejar las ceniza de mi madre, ya que se fue el 9 de junio de 2019, de la noche a la mañana. En el 2020, después de estrenar una película de Tod Browning (1927) en la filmoteca de Cataluña con música mía, y después de componer varios temas para Interestelab Collective y olvidarme de mi disco y de mis ganas de cantar, empezó el confinamiento… Pocos días después de empezar la era Covid, mi amigo David Carrasco me dijo que ahora tenía tiempo para que nos pusiéramos con mi disco, tal y como le dije en septiembre del 2019. Por aquel entonces necesitaba que me echara un cable, porque después de la muerte de mi madre y componiendo todo lo que estaba haciendo, necesitaba a alguien con ideas nuevas y más metido en una onda diferente a la mía, que le diera otro color para sumarse a mi historia.

Describe tu sonido.
Mi sonido es tan amplio como la música que escucho. No uso el estilo como discurso; más bien los estilos están al servicio de mi discurso. Puede ser un sonido teñido de músicas del mundo, que recurren a sonidos más de banda sonora. Es un sonido que siempre lleva a la imagen, porque siempre compongo desde la imagen.

Principales influencias.
Ennio Morricone, Chet Baker, Jun Miyake, Omara Portuondo, Dulce Pontes, Lhasa de Sela, Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Enrique Morente, Benny Moré. Los Tres Ases, Los Zafiros, Koop Island, Massive Atack, Chopin, Vicente Amigo, Ibrahim Maalouf, Chavela Vargas, Los Tornados, Jorge Drexler, Michael Kiwanuka, Parfum Theremine, Marchena, Sevdaliza, Daniel Me Estás Matando, Ane Brun, Arthur H, Ismael Lo, Jean Michel Jarre, La Lupe, Los Macorinos, Calexico, Cesária Évora, Asaf Avidan y un interminable etcétera.

¿Cómo definirías tu nuevo disco?
Tal y como reza en la nota de prensa, «Es un viaje que viene a hablarnos de amores y desamores ideales. Encarna al eterno amante que no tiene punto medio y que, evidentemente, se cree en muchas ocasiones ateo en el amor. Unas veces se a ve a sí mismo como un tren fantasma que viaja sin hacer concesiones, sin paradas en su camino, sin destinos explícitos, bajo la premisa de que quien avisa no es traidor y que cualquiera que quiera subirse al tren debe saber que no circula más su amor. En cambio, otras veces se enreda con amores imposibles, fruto de todas esas redes que le tienen atrapado en la búsqueda de nuevas historias, que no van más allá de largas horas de conquista de pantalla. Este macho alga se pregunta si el amor es una fruta de temporada, si madura con el calor o la marchitan las heladas. Convive con su alter ego, quien jamás le deja en paz, siempre recordándole que lo hace muy mal y ellas… siempre lo hacen muy bien. Este viaje no es apto para desertores del limbo». En definitiva, es un disco que empieza hablando de una conquista para acabar despidiéndose de la que finalmente resulta ser la mujer de su vida: su madre. De principio a fin habla de amor y desamor, desde el drama y lo irónico. Ambas visiones siempre van de la mano, es una tragicomedia.

Tu disco suena, o te gustaría que sonara, como los de…
Como los de antes, bien arreglados, con sonidos más vintage, pero también como los de ahora, con instrumentos más modernos e incluso percusiones electrónicas.

Cinco discos de cabecera.
Chet Baker canta, el Chet Baker; OK, de Talvin Singh; Ciudad de las ideas, de Vicente Amigo; Omega, de Enrique Morente, y Mezzazina, de Massive Attack.

Cinco canciones perfectas.
“Sodade”, de Cesária Évora; “Beirut”, de Ibrahim Maalouf; “Adagio”, de Albinoni; “La boxeuse amoureuse”, de Arthur H y “Alviverde”, de Jun Miyake.

¿Prefieres estudio o directo?
Vivo en mi estudio (literalmente) y vivo para y por los directos.

¿A quién te gustaría telonear?
A Natalia Lafourcade.

¿En qué disco de homenaje te gustaría participar?
Un disco de homenaje a cualquiera de los grandes de la música de autor o que tenga que ver con las víctimas de género o las madres.

¿Qué canción del disco es la que mejor te representa y por qué?
Todas las del disco me representan, en cuanto a que es casi un trabajo autobiográfico… pero quizás me identifico más con “Lilith”, porque simboliza el miedo que siempre le tuve a la muerte desde pequeño, ya que mi madre padecía una cardiopatía y siendo un niño se me presentó en varias ocasiones. Lilith es esa mujer imaginaria encarnada en la muerte, con quien años más tarde me vuelvo a encontrar pero esta vez asumiendo que es una amante de la que jamás podré separarme, y ya con la edad, y habiendo pasado por la muerte que me amedrentaba de niño, puedo desde una madurez hablarle a la cara sin rencor, más bien con aceptación.

¿Cómo eres encima de un escenario?
Siempre he sido percusionista y además de flamenco, una música sobria y jonda que llevo tocando más de veinte años, así que siempre me he definido como alguien muy serio encima del escenario. Así, hasta que el año pasado presenté estos temas en Almería, a modo de prueba, y descubrí en mí una parte más monologuista y cómica. Al fin y al cabo, en este espectáculo defiendo mi vida y eso me permite conectar más con la historia. Pero soy prácticamente virgen como cantante, y creo que eso es parte del atractivo, puesto que es gracioso haberme visto veinte años encima de un escenario y ahora ser yo el artista principal con un repertorio cargado de ironía e intensidad amorosa. El formato ideal es de ocho músicos: contrabajo, batería, guitarra, teclados, voces y sección de metales. Más reducido seríamos el formato «rock»: voz, guitarra, bajo y teclado, y aún más reducido, o yo solo o con mi gran aliado y coproductor de la historia, David Carrasco, a los coros e instrumentos varios. Los dos podemos defenderlo y lo hacemos muy bonito e íntimo. Es un maestro que ha acompañado y acompaña a los grandes de la música española. En definitiva, es toda una aventura, tanto para mí como para el público.

¿Qué planes tienes este año?
Seguir trabajando en la oficina, jejeje, porque todo lo hago yo, desde buscar editorial, distribuidora, conectar con gabinete de prensa o buscar bookers hasta hacerme mi pagina web y llevar mis redes, así que tengo mucho trabajo. En principio quiero montar una campaña de mecenazgo para poder costear los gastos de músicos y sala, y poder hacer un estreno en condiciones en Madrid, a no ser que alguien se interese por hacerlo, pero en principio pienso seguir componiendo para mí y para otros artistas, trabajar en mi oficina e intentar debutar en México, que es y ha sido siempre mi principal objetivo.

Tienes cincuenta palabras para vender tu primer disco. ¡Adelante!
Este disco es un viaje a las entrañas del amor, ya sea para con uno mismo o con otras personas. Es un desnudo integral, un viaje de ida y vuelta, una apuesta contra corriente en un mundo musical, efímero y convencional. Es una invitación a amar mejor, a llorar y a reírse del drama.

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Elegir a los mejores equipos de las Copas del Mundo no es hacer una lista de campeones, no necesariamente, porque sí los hay, pero pocas veces ha coincidido. El destino es así de caprichoso, y para que los equipos de futbol que mejor han jugado se coronen tiene que haber además suerte, pero hay excepciones como España, Alemania y Brasil.

Porque una cosa es jugar bien y otra ganar. Gustar y ganar no siempre van juntos. También se trata de romper paradigmas, revolucionar el juego, sacudir lo establecido y derrocar a los favoritos. Es un acto de principios futbolísticos que trasciende.

Aquí van nuestros 10.

10- Uruguay 1950

El único equipo en la lista que podría ser más definido por garra que por brillantez, pero eso no le quitaba el talento de sus integrantes.

En esta elección de seleccionados el Brasil de 1950 deslumbró más en esa cuarta Copa del Mundo, pero el estilo guerrero y de una mentalidad férrea fue más producto del empuje del capitán Obdulio Varela que del DT Juan López y eso valió para detener a Ademir y compañía y escribir la primera gran tragedia del futbol mundial.

Van los héroes de esta ‘Celeste’ histórica: Máspoli, Gambetta, González, Tejera, Andrade, Varela, Ghiggia, Míguez, Morán, Pérez y Schiaffino.

9- Francia 1998

Jugaron en casa, sí. No empezaron como el equipo más brillante, tampoco. Tal vez, en suma, los campeones de 2018 tengan más talento, pero Francia de 1998 tenía a Zidane, quien a pesar de sufrir una suspensión por volverse loco en el primer juego, algo que superaría con una tontería más fuerte en 2006, y eso es un ‘plus’ que pesa.

La selección gala dirigida por Aimé Jacquet en el banco y por Deschamps se fue invicta y marcó época. Era un trabuco con Barthez, Blanc, Djorkaeff, Zizou, Petit, Thuram, Desailly, Lebouef, Karembeau, Henry, Vieira, Trezeguet… uff.

8- Alemania 2014

Muchos recuerdan a la Alemania de Beckenbauer, la de Seeler, la de Rahn, las de Matthaeus y Brehme, pero elegimos a la de 2014 con Thomas Mueller, Klose, Kroos, Lahm, Ozil, Hummels, Neuer, Schweinsteiger, Boateng, Götze, Podolski y Khedira, porque fue a Brasil (al son de un 7-1) a enseñarle a los amazónicos cómo jugar con alegría, precisión y velocidad.

También impidieron que Messi se coronara y son la síntesis de todo el poderío y mentalidad germana a lo largo de la historia de las Copas del Mundo.

7- Brasil 2002

El último gran Brasil que ha jugado una Copa del Mundo. Ronaldo (el verdadero), Ronaldinho, Rivaldo, Roberto Carlos, Cafú, Kleberson, Gilberto Silva, con el muy poco recordado arquero Marcos.

El 2002 reivindicó al equipo del 1998 y fue el colofón a una seguidilla de finales para la verdeamarehla en finales de Copas del Mundo, si se suma la de 1994.

El privilegio de haber tenido a esos cracks juntos se ha apreciado con el paso del tiempo. Su paso perfecto y brillantez los hacen merecedores de un lugar en esta lista.

6- Portugal 1966

El futbol de Portugal le debe a Mozambique su gloria más grande en Copas del Mundo, porque de ahí salió el gran Eusebio, pero también el ‘Monstruo’ Coluna, quien no sólo era un fino mediocampista sino también un duro golpeador, que junto con Torres acabaron con Pelé.

Más allá de la ríspida estrategia para mandar a ‘O’Rei’ envuelto en vendas para Brasil, Portugal sorprendió con la velocidad, precisión y potencia de su escuadra. Tercer lugar, pero nunca olvidada.

5- Hungría 1954

Hubo un tiempo en que sobre la faz de la tierra nadie jugaba como los húngaros. Eran un grupo de artistas con balón que anotaban goles y los juntaban en racimos para repartirlos entre sus rivales por igual.

El ‘Equipo de Oro’, como le apodaban, lucía la medalla de oro de Helsinki 1952 cuando llegó a Suiza para sembrar el terror.

Puskas, Kocsis, Hidegkuti, Scibor, Bozsik, Palotas, Toth anotaron 31 goles en 6 partidos, pero sólo dos de ellos en la torrencial lluvia de Berna, donde Alemania hizo el “milagro” y les quitó la Copa del Mundo.

4- Brasil 1982

Ese equipo de Telé Santana fue como ver volar a Ícaro con la gracia de un águila, embelesarse con su juego y luego presenciar cómo Paolo Rossi, convertido en un sol, derritió la cera y cayeron desde lo más alto.

Zico, Junior, Eder, Falcao, Sócrates, Toninho Cerezo, Leandro, Oscar, Luizinho tenían futbol para regalar, pero esa escuadra tenía dos puntos débiles en lo extremos del campo: el arquero Valdir Peres y el centro delantero Serginho.

Aun así, Zico emanaba clase que no se perdía en un mediocampo tocado por la gracia del ‘futebol’.

Ni a semifinales llegaron, pero nadie jugó como ellos nunca antes.

3- España 2010

La Roja que no le prestó el balón a nadie en Sudáfrica. Con la base el Barcelona de Guardiola, la España de Vicente del Bosque fue un deleite, algo irrepetible.

El nivel de control del juego, con base en la posesión, fue llevado al nivel de arte. Hay quien dice que a ese equipo sólo le faltaba Messi, pero en realidad fue a Messi a quien le ha hecho falta ese equipo en mundiales, porque ellos fueron campeones y Leo aún persigue ese logro.

El gol de Iniesta en tiempo extra de la Final reivindicó la belleza sobre el futbol ‘bestia’ que exhibió Holanda, que los quiso parar por el método de la fuerza.

Aquí queda ese cuadro con Iker, Puyol, Ramos, Piqué, Capdevilla, Iniesta, Xavi, Xabi, Busquets, Villa, Pedro, Cesc, Torres, Silva, Navas, etc. que gustosos habrían firmado Velásquez o Picasso.

2- Holanda 1974

La revolución del futbol. Lo que fue The Beatles a la música así se podría definir el trazo que le dio ‘La Naranja Mecánica’ de Rinus Michels al balompié.

El llamado ‘Futbol Total’ donde las posiciones en el campo tenían una movilidad que desconcertaba a los rivales fue la evolución estética de lo que inició el Ajax en los 60’s.

El gran ‘jedi’ de esta nueva ‘religión’ del futbol: Johan Cruyff, malhumorado genio apoyado por Neeskens, Rep, Resenbrink, Han, Krol y los gemelos Van de Kerkhof llegó hasta la final, donde, como de costumbre, Alemania se encargó de hacer las cosas pragmáticamente y colectar el trofeo.

1- Brasil 1970

Lo más cercano a un ‘Dream Team’. Un equipo para verlo jugar con música de fondo, pero no cualquier música: con Jobim, Astrud y Joao Gilberto, Vinicius de Moraes, bossa novas que se transforman en una fiesta con Jorge Ben.

‘Las Cobras’ que alineó Zagallo y que puso en forma Coutinho maravillaron al mundo en el 70: Péle, Rivelino, Tostao, Gerson, Jairzinho eran cinco 10’s en el terreno. El resto de la batucada sinfónica eran Carlos Alberto, Brito, Clodoaldo, Piazza, Félix y Everaldo.

Edson Arantes manejaba los tiempos con un reloj de sincronización divina, tanto que se recuerdan más los pases a Jairzinho y Carlos Alberto y sus ‘no goles’ que los que anotó.

Este Brasil fue campeón en un extraño caso de justicia divina.

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Porque una cosa es jugar bien y otra ganar. Gustar y ganar no siempre van juntos. También se trata de romper paradigmas, revolucionar el juego, sacudir lo establecido y derrocar a los favoritos. Es un acto de principios futbolísticos que trasciende.

Aquí van nuestros 10.

10- Uruguay 1950

El único equipo en la lista que podría ser más definido por garra que por brillantez, pero eso no le quitaba el talento de sus integrantes.

En esta elección de seleccionados el Brasil de 1950 deslumbró más en esa cuarta Copa del Mundo, pero el estilo guerrero y de una mentalidad férrea fue más producto del empuje del capitán Obdulio Varela que del DT Juan López y eso valió para detener a Ademir y compañía y escribir la primera gran tragedia del futbol mundial.

Van los héroes de esta ‘Celeste’ histórica: Máspoli, Gambetta, González, Tejera, Andrade, Varela, Ghiggia, Míguez, Morán, Pérez y Schiaffino.

9- Francia 1998

Jugaron en casa, sí. No empezaron como el equipo más brillante, tampoco. Tal vez, en suma, los campeones de 2018 tengan más talento, pero Francia de 1998 tenía a Zidane, quien a pesar de sufrir una suspensión por volverse loco en el primer juego, algo que superaría con una tontería más fuerte en 2006, y eso es un ‘plus’ que pesa.

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8- Alemania 2014

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7- Brasil 2002

El último gran Brasil que ha jugado una Copa del Mundo. Ronaldo (el verdadero), Ronaldinho, Rivaldo, Roberto Carlos, Cafú, Kleberson, Gilberto Silva, con el muy poco recordado arquero Marcos.

El 2002 reivindicó al equipo del 1998 y fue el colofón a una seguidilla de finales para la verdeamarehla en finales de Copas del Mundo, si se suma la de 1994.

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6- Portugal 1966

El futbol de Portugal le debe a Mozambique su gloria más grande en Copas del Mundo, porque de ahí salió el gran Eusebio, pero también el ‘Monstruo’ Coluna, quien no sólo era un fino mediocampista sino también un duro golpeador, que junto con Torres acabaron con Pelé.

Más allá de la ríspida estrategia para mandar a ‘O’Rei’ envuelto en vendas para Brasil, Portugal sorprendió con la velocidad, precisión y potencia de su escuadra. Tercer lugar, pero nunca olvidada.

5- Hungría 1954

Hubo un tiempo en que sobre la faz de la tierra nadie jugaba como los húngaros. Eran un grupo de artistas con balón que anotaban goles y los juntaban en racimos para repartirlos entre sus rivales por igual.

El ‘Equipo de Oro’, como le apodaban, lucía la medalla de oro de Helsinki 1952 cuando llegó a Suiza para sembrar el terror.

Puskas, Kocsis, Hidegkuti, Scibor, Bozsik, Palotas, Toth anotaron 31 goles en 6 partidos, pero sólo dos de ellos en la torrencial lluvia de Berna, donde Alemania hizo el “milagro” y les quitó la Copa del Mundo.

4- Brasil 1982

Ese equipo de Telé Santana fue como ver volar a Ícaro con la gracia de un águila, embelesarse con su juego y luego presenciar cómo Paolo Rossi, convertido en un sol, derritió la cera y cayeron desde lo más alto.

Zico, Junior, Eder, Falcao, Sócrates, Toninho Cerezo, Leandro, Oscar, Luizinho tenían futbol para regalar, pero esa escuadra tenía dos puntos débiles en lo extremos del campo: el arquero Valdir Peres y el centro delantero Serginho.

Aun así, Zico emanaba clase que no se perdía en un mediocampo tocado por la gracia del ‘futebol’.

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3- España 2010

La Roja que no le prestó el balón a nadie en Sudáfrica. Con la base el Barcelona de Guardiola, la España de Vicente del Bosque fue un deleite, algo irrepetible.

El nivel de control del juego, con base en la posesión, fue llevado al nivel de arte. Hay quien dice que a ese equipo sólo le faltaba Messi, pero en realidad fue a Messi a quien le ha hecho falta ese equipo en mundiales, porque ellos fueron campeones y Leo aún persigue ese logro.

El gol de Iniesta en tiempo extra de la Final reivindicó la belleza sobre el futbol ‘bestia’ que exhibió Holanda, que los quiso parar por el método de la fuerza.

Aquí queda ese cuadro con Iker, Puyol, Ramos, Piqué, Capdevilla, Iniesta, Xavi, Xabi, Busquets, Villa, Pedro, Cesc, Torres, Silva, Navas, etc. que gustosos habrían firmado Velásquez o Picasso.

2- Holanda 1974

La revolución del futbol. Lo que fue The Beatles a la música así se podría definir el trazo que le dio ‘La Naranja Mecánica’ de Rinus Michels al balompié.

El llamado ‘Futbol Total’ donde las posiciones en el campo tenían una movilidad que desconcertaba a los rivales fue la evolución estética de lo que inició el Ajax en los 60’s.

El gran ‘jedi’ de esta nueva ‘religión’ del futbol: Johan Cruyff, malhumorado genio apoyado por Neeskens, Rep, Resenbrink, Han, Krol y los gemelos Van de Kerkhof llegó hasta la final, donde, como de costumbre, Alemania se encargó de hacer las cosas pragmáticamente y colectar el trofeo.

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Lo más cercano a un ‘Dream Team’. Un equipo para verlo jugar con música de fondo, pero no cualquier música: con Jobim, Astrud y Joao Gilberto, Vinicius de Moraes, bossa novas que se transforman en una fiesta con Jorge Ben.

‘Las Cobras’ que alineó Zagallo y que puso en forma Coutinho maravillaron al mundo en el 70: Péle, Rivelino, Tostao, Gerson, Jairzinho eran cinco 10’s en el terreno. El resto de la batucada sinfónica eran Carlos Alberto, Brito, Clodoaldo, Piazza, Félix y Everaldo.

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Este Brasil fue campeón en un extraño caso de justicia divina.

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En la historia del jazz moderno hay un aspecto trágico difícil de soslayar y es el uso casi indiscriminado de heroína de una buena parte de los artistas más importantes del género, de Charlie Parker a Miles Davis, de Billie Holiday a Bill Evans.

Uno de los mejores argumentos para utilizar drogas que los músicos sostienen es la posibilidad de expandir sus sonoridades y liberarse de ataduras, pero más allá de esta teoría, el jazz nació en un contexto de uso de alcohol y drogas en Nueva Orleans y Kansas City, ciudades manejadas por gangsters que vivían del negocio del entretenimiento, donde además de música había drogas y prostitución.

Hasta los años treinta, la droga que prevalecía en el mundo del jazz, aunque obviamente no la única, era la marihuana además del alcohol. Hasta que en los ’40 junto con el bebop, la heroína se impuso como una forma de vida, una moda, aunque esta afirmación por supuesto no explica la enorme cantidad de artistas que terminaron sufriendo las consecuencias de una adicción que pauperiza al consumidor hasta límites que lo pueden llevar a la muerte.

Charlie Parker solía empeñar su saxo para comprar droga.

Una larga lista

Sin pretender ser exhaustivos podríamos nombrar dentro de esta comunidad, llamada “Iglesia de la aguja”, a Charlie Parker, Miles Davis, Sonny Rollins, Stan Getz, Gerry Mulligan, Dexter Gordon, Tadd Dameron, Chet Baker, Billie Holiday, John Coltrane, Bill Evans, Art Blakey, Freddie Webster, Jimmy Heath, Bud Powell, Art Pepper, Philly Joe Jones, Fats Navarro, Red Garland, Art Taylor, Sonny Sttit, Tina Brooks, Sonny Clark, Abbey Lincoln y Lee Morgan, entre otros.

Mientras que el director de la Oficina Federal de Estupefacientes, Harry Anlinger decía a comienzos de los años cuarenta: “Teníamos más bandas de jazz en la cárcel de las que puedo contar”; Chet Baker sostenía en su autobiografía Como si tuviera alas que en uno de los centros de internación, quizás se referiría el legendario Lexington, había toda una big band que incluía nada menos que al excelente compositor Tadd Dameron.

Bill Evans. El genial pianista también fue victima de la heroína.

Bill Evans. El genial pianista también fue victima de la heroína.

Por Lexington pasaron muchos músicos de jazz, entre ellos, el genial pianista Bud Powell que detenido por posesión de heroína y recibió un tratamiento de electroshock que le causó daños cerebrales irreparables, como pérdida del sentido de tiempo y espacio, que por cierto no tenía antes de comenzar el “tratamiento”.

Ahora bien, no todos estos grandes artistas tuvieron un final trágico, sólo algunos, como por ejemplo, Clark o Brooks que murieron por sobredosis, Otros sufrieron otras pérdidas a raíz de una evidente pauperización física generada por la sustancia como Parker, Holiday, Navarro o Evans y hasta sospechosos “accidentes” como el que le costó la vida a Baker, en Amsterdam. El saxofonista alto Pepper pasó una buena temporada preso a raíz de un fallido asalto a una estación de servicio en busca de financiar su adicción.

Experiencias traumáticas

Son muchas las historias y gran parte de ellas nos conducen a experiencias de vida traumáticas, en especial de los músicos negros que sufrieron además de sus propias angustias, un racismo violento e intransigente.

Billie Holiday. Una cantante enorme que se complicó la carrera por el consumo de heroína.

Billie Holiday. Una cantante enorme que se complicó la carrera por el consumo de heroína.

El baterista de Cool Jazz, Shelly Mane, en noviembre de 1960, en un panel sobre “Narcóticos y jazz”, dijo: “El músico de jazz tiene una diferencia elemental con otros músicos, la improvisación; un jazzman tiene constantemente que crear; tener nuevas ideas, componer y tocar al mismo tiempo; pero todo esto no lo hace una vez por semana. En los mejores momentos del bebop tocaban varias noches por semana y a veces viajando de una ciudad a otra. Para poder soportar ese ritmo y encontrar tranquilidad, los músicos utilizaban narcóticos”.

Casi que suena a una excusa en estos días, sin embargo, a esta situación habría que sumarle que la heroína se convertía en una forma de escapar de una realidad intolerable hacia una vida que también implicaba mucha angustia.

“Al principio, la heroína construyó un muro que me protegía de la realidad, y en ese espacio podía crear. A medida que aumentaba mi dependencia ese muro se iba acercando hacia mí, quitándome espacio hasta llegar a asfixiarme y no poder pensar en otra cosa que no sea seguir consumiendo”, es el relato de un músico de jazz detenido en rehabilitación en Lexington, en 1948.

Parker y Davis

El saxofonista Charlie Parker, un artista verdaderamente genial, luchó toda su vida con la falta de dinero provocada por su adicción. En gran parte de ella no tuvo instrumento, porque lo empeñaba a causa de la heroína. Los derechos de su gran composición Ahora es el tiempo los vendió a sólo 50 dólares para comprar drogas.

Quizás el ejemplo más devastador es el de Miles Davis que además de haber sido arrestado en Los Angeles, a mediados de los años cuarenta junto con Dexter Gordon, Art Blakey y Parker por tenencia de drogas (las había comprado Blakey), cayó a los pocos años en una profunda adicción a la heroína.

En 1949, Davis cruzó a Francia en su primer viaje a Europa para participar de un festival, en París, donde lo trataron como a una estrella. A su regreso a Nueva York, esa fuerza y confianza que había mostrado hasta ese momento comenzó a derrumbarse. El trompetista lo recuerda así en sus memorias:

“Empecé a darme cuenta de cosas que antes no me llamaban la atención, me refiero al racismo. Darme cuenta de que no podía cambiar la situación de mi comunidad me quitó fuerza. Perdí la disciplina, el control de mi vida y me dejé llevar”.

Entre 1951y 1953, vivió su propio infierno con situaciones que hablaban de su degradamiento, como cuando su amigo y colega Clark Terry le dio alojamiento y terminó robándole la trompeta para venderla y conseguir drogas.

Tras una pelea en California que pudo costarle la libertad decide recuperarse, “limpiarse” en la granja de su padre, en East Saint Louis, y a la manera antigua, encerrarse y aguantar la abstinencia, el llamado Pavo frío (debido a que los espasmos y escalofríos generan una persistente piel de gallina) que puede, llegado el caso, costarle la vida al enfermo.

Ya en buena forma regresará a Nueva York para formar poco después uno de los grandes quintetos de la historia del jazz, con Coltrane, Garland, Paul Chambers y Jones; de los cinco, tres, Coltrane, Garland y Jones, usaban heroína. Era difícil encontrar en Nueva York, entre los músicos de la primera línea, artistas que no usaran esa droga.

El caso de John Coltrane

John Coltrane fue despedido del grupo de MIles Davis por sus problemas con la heroína.

John Coltrane fue despedido del grupo de MIles Davis por sus problemas con la heroína.

El saxofonista John Coltrane transitó, en la primavera de 1957, el mismo camino que el trompetista. Davis lo echó del grupo debido a que ya ni siquiera tocaba del coloque con el que subía al escenario y hasta en el camarín del club Bohemia llegó a pegarle (debido, según el mismo Davis, por la impotencia que le generaba verlo de esa manera).

Coltrane viajó de Nueva York a Filadelfia donde vivía su familia y se limpió soportando la dolorosa abstinencia. El contrabajista Jimmy Garrison (quien tocaría en su famoso Classic Quartet) estuvo presente en ese primer show, en Filadelfia, tras su reciente recuperación: “Estaba tocando y de pronto quedó en blanco; fue sólo un momento, pero a partir de ahí sonaba como un hombre grande aprendiendo a hablar. Fue profundamente conmovedor”.

Un aspecto para tener en cuenta lo señala Antonio Escohotado en su Historia de las drogas, de Alianza Editorial, en donde señala que en las décadas del ’40 y ’50 un gramo de heroína en la calle tenía alrededor del 40 por ciento de pureza, mientras que en los ’80, sólo alcanzaba el 5 por ciento y remata: “Los síndromes de abstinencia en la actualidad son casi siempre escenificaciones y las casos llamados de sobredosis son envenenamientos con algún sucedáneo”.

Esta vivencia también la tuvo Davis con otro trompetista, su íntimo amigo Freddy Webster, quien murió en abril de 1947, en Chicago, a causa de una sobredosis de heroína que se la había pasado otro músico, el saxofonista Sonny Sttit. Aunque una vez hecha la autopsia descubrieron que la muerte fue por envenenamiento de estricnina.

La mayoría de los artistas lograron desengancharse. Los casos de Sonny Rollins, John Coltrane, Art Blakey o Jackie McLean son ejemplos, entre otros, de fortaleza emocional.

Dizzy Gillespie despidió a un músico al que vio a punto de inyectarse. Foto AP/René Pérez

Dizzy Gillespie despidió a un músico al que vio a punto de inyectarse. Foto AP/René Pérez

Ya en los sesenta, en medio del clamor de la comunidad negra en la defensa de sus derechos civiles, la heroína cayó en desgracia al ser vista con buen criterio como una forma de anestesiar a la población. Una noticia que causó sorpresa en este sentido fue la denuncia de los Black Panthers, en Nueva York, acerca de que cinco traficantes vendían una heroína a bajo precio y de gran calidad; fueron arrestados e identificados como agentes del FBI.

Por aquella época, Dizzy Gillespie contó: “Una vez estaba tocando en un club de Chicago y encontré a uno de los músicos con una corbata en el brazo y una cuchara en la mesa. Lo despedí de inmediato; lárgate de aquí ahora mismo”, recordó el trompetista, que evidentemente no había desarrollado ese tipo de conciencia cuando tocaba con Charlie Parker.

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En la historia del jazz moderno hay un aspecto trágico difícil de soslayar y es el uso casi indiscriminado de heroína de una buena parte de los artistas más importantes del género, de Charlie Parker a Miles Davis, de Billie Holiday a Bill Evans.

Uno de los mejores argumentos para utilizar drogas que los músicos sostienen es la posibilidad de expandir sus sonoridades y liberarse de ataduras, pero más allá de esta teoría, el jazz nació en un contexto de uso de alcohol y drogas en Nueva Orleans y Kansas City, ciudades manejadas por gangsters que vivían del negocio del entretenimiento, donde además de música había drogas y prostitución.

Hasta los años treinta, la droga que prevalecía en el mundo del jazz, aunque obviamente no la única, era la marihuana además del alcohol. Hasta que en los ’40 junto con el bebop, la heroína se impuso como una forma de vida, una moda, aunque esta afirmación por supuesto no explica la enorme cantidad de artistas que terminaron sufriendo las consecuencias de una adicción que pauperiza al consumidor hasta límites que lo pueden llevar a la muerte.

Charlie Parker solía empeñar su saxo para comprar droga.

Una larga lista

Sin pretender ser exhaustivos podríamos nombrar dentro de esta comunidad, llamada “Iglesia de la aguja”, a Charlie Parker, Miles Davis, Sonny Rollins, Stan Getz, Gerry Mulligan, Dexter Gordon, Tadd Dameron, Chet Baker, Billie Holiday, John Coltrane, Bill Evans, Art Blakey, Freddie Webster, Jimmy Heath, Bud Powell, Art Pepper, Philly Joe Jones, Fats Navarro, Red Garland, Art Taylor, Sonny Sttit, Tina Brooks, Sonny Clark, Abbey Lincoln y Lee Morgan, entre otros.

Mientras que el director de la Oficina Federal de Estupefacientes, Harry Anlinger decía a comienzos de los años cuarenta: “Teníamos más bandas de jazz en la cárcel de las que puedo contar”; Chet Baker sostenía en su autobiografía Como si tuviera alas que en uno de los centros de internación, quizás se referiría el legendario Lexington, había toda una big band que incluía nada menos que al excelente compositor Tadd Dameron.

Bill Evans. El genial pianista también fue victima de la heroína.

Bill Evans. El genial pianista también fue victima de la heroína.

Por Lexington pasaron muchos músicos de jazz, entre ellos, el genial pianista Bud Powell que detenido por posesión de heroína y recibió un tratamiento de electroshock que le causó daños cerebrales irreparables, como pérdida del sentido de tiempo y espacio, que por cierto no tenía antes de comenzar el “tratamiento”.

Ahora bien, no todos estos grandes artistas tuvieron un final trágico, sólo algunos, como por ejemplo, Clark o Brooks que murieron por sobredosis, Otros sufrieron otras pérdidas a raíz de una evidente pauperización física generada por la sustancia como Parker, Holiday, Navarro o Evans y hasta sospechosos “accidentes” como el que le costó la vida a Baker, en Amsterdam. El saxofonista alto Pepper pasó una buena temporada preso a raíz de un fallido asalto a una estación de servicio en busca de financiar su adicción.

Experiencias traumáticas

Son muchas las historias y gran parte de ellas nos conducen a experiencias de vida traumáticas, en especial de los músicos negros que sufrieron además de sus propias angustias, un racismo violento e intransigente.

Billie Holiday. Una cantante enorme que se complicó la carrera por el consumo de heroína.

Billie Holiday. Una cantante enorme que se complicó la carrera por el consumo de heroína.

El baterista de Cool Jazz, Shelly Mane, en noviembre de 1960, en un panel sobre “Narcóticos y jazz”, dijo: “El músico de jazz tiene una diferencia elemental con otros músicos, la improvisación; un jazzman tiene constantemente que crear; tener nuevas ideas, componer y tocar al mismo tiempo; pero todo esto no lo hace una vez por semana. En los mejores momentos del bebop tocaban varias noches por semana y a veces viajando de una ciudad a otra. Para poder soportar ese ritmo y encontrar tranquilidad, los músicos utilizaban narcóticos”.

Casi que suena a una excusa en estos días, sin embargo, a esta situación habría que sumarle que la heroína se convertía en una forma de escapar de una realidad intolerable hacia una vida que también implicaba mucha angustia.

“Al principio, la heroína construyó un muro que me protegía de la realidad, y en ese espacio podía crear. A medida que aumentaba mi dependencia ese muro se iba acercando hacia mí, quitándome espacio hasta llegar a asfixiarme y no poder pensar en otra cosa que no sea seguir consumiendo”, es el relato de un músico de jazz detenido en rehabilitación en Lexington, en 1948.

Parker y Davis

El saxofonista Charlie Parker, un artista verdaderamente genial, luchó toda su vida con la falta de dinero provocada por su adicción. En gran parte de ella no tuvo instrumento, porque lo empeñaba a causa de la heroína. Los derechos de su gran composición Ahora es el tiempo los vendió a sólo 50 dólares para comprar drogas.

Quizás el ejemplo más devastador es el de Miles Davis que además de haber sido arrestado en Los Angeles, a mediados de los años cuarenta junto con Dexter Gordon, Art Blakey y Parker por tenencia de drogas (las había comprado Blakey), cayó a los pocos años en una profunda adicción a la heroína.

En 1949, Davis cruzó a Francia en su primer viaje a Europa para participar de un festival, en París, donde lo trataron como a una estrella. A su regreso a Nueva York, esa fuerza y confianza que había mostrado hasta ese momento comenzó a derrumbarse. El trompetista lo recuerda así en sus memorias:

“Empecé a darme cuenta de cosas que antes no me llamaban la atención, me refiero al racismo. Darme cuenta de que no podía cambiar la situación de mi comunidad me quitó fuerza. Perdí la disciplina, el control de mi vida y me dejé llevar”.

Entre 1951y 1953, vivió su propio infierno con situaciones que hablaban de su degradamiento, como cuando su amigo y colega Clark Terry le dio alojamiento y terminó robándole la trompeta para venderla y conseguir drogas.

Tras una pelea en California que pudo costarle la libertad decide recuperarse, “limpiarse” en la granja de su padre, en East Saint Louis, y a la manera antigua, encerrarse y aguantar la abstinencia, el llamado Pavo frío (debido a que los espasmos y escalofríos generan una persistente piel de gallina) que puede, llegado el caso, costarle la vida al enfermo.

Ya en buena forma regresará a Nueva York para formar poco después uno de los grandes quintetos de la historia del jazz, con Coltrane, Garland, Paul Chambers y Jones; de los cinco, tres, Coltrane, Garland y Jones, usaban heroína. Era difícil encontrar en Nueva York, entre los músicos de la primera línea, artistas que no usaran esa droga.

El caso de John Coltrane

John Coltrane fue despedido del grupo de MIles Davis por sus problemas con la heroína.

John Coltrane fue despedido del grupo de MIles Davis por sus problemas con la heroína.

El saxofonista John Coltrane transitó, en la primavera de 1957, el mismo camino que el trompetista. Davis lo echó del grupo debido a que ya ni siquiera tocaba del coloque con el que subía al escenario y hasta en el camarín del club Bohemia llegó a pegarle (debido, según el mismo Davis, por la impotencia que le generaba verlo de esa manera).

Coltrane viajó de Nueva York a Filadelfia donde vivía su familia y se limpió soportando la dolorosa abstinencia. El contrabajista Jimmy Garrison (quien tocaría en su famoso Classic Quartet) estuvo presente en ese primer show, en Filadelfia, tras su reciente recuperación: “Estaba tocando y de pronto quedó en blanco; fue sólo un momento, pero a partir de ahí sonaba como un hombre grande aprendiendo a hablar. Fue profundamente conmovedor”.

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Esta vivencia también la tuvo Davis con otro trompetista, su íntimo amigo Freddy Webster, quien murió en abril de 1947, en Chicago, a causa de una sobredosis de heroína que se la había pasado otro músico, el saxofonista Sonny Sttit. Aunque una vez hecha la autopsia descubrieron que la muerte fue por envenenamiento de estricnina.

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Dizzy Gillespie despidió a un músico al que vio a punto de inyectarse. Foto AP/René Pérez

Dizzy Gillespie despidió a un músico al que vio a punto de inyectarse. Foto AP/René Pérez

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A modo de balance por parte de los organizadores, el festival ha transcurrido con gran satisfacción tanto por parte de los grupos que han actuado como por el público asistente que ha completado un reducido aforo todos los días, así como también por parte de la organización que, siguiendo los protocolos preventivos establecidos, ha podido organizar un festival seguro y con todas las garantías sanitarias.

Los protagonistas de esta edición han sido el saxofonista Antonio Lizana, una figura como Lole Montoya, el violonchelista francés Matthieu Saglio y el cantaor Jonatan Penalba, a los que se les suma la formación que actuará el lunes 16 de agosto, Los Soulomonics. Con este cartel, los organizadores recalcan que este año se ha ofrecido una programación variada que ha cumplido las expectativas por su calidad y que, dentro de la temática del festival especializado en las músicas del mundo, ha habido una diversa representación que ha satisfecho a las diferentes sensibilidades musicales. “Destacamos la interesante propuesta de los músicos valencianos, siempre presentes en nuestras programaciones, Matthieu Saglio con un delicioso concierto y Jonatan Penalba con un programa tradicional, poético y evocador”.

Ha sido una edición que se ha desarrollado en unas circunstancias especiales al estar condicionada por las medidas sanitarias, que han motivado por ejemplo que el festival haya tenido que abandonar su emblemática sede del Castillo de Dénia y se haya tenido ubicar en los Jardines de Torrecremada. A falta del concierto que brindarán The Soulmonics, la organización ya mira a la edición de 2022, que servirá para festejar el 30 cumpleaños del festival, “un hito que tenemos que celebrar de manera especial,  ya estamos trabajando para hacer una programación extraordinaria”.

El soul enérgico de The Soumonics

La banda comarcal presentará el lunes 16 de agosto su nuevo trabajo Detener la tiempo, confeccionado buena parte de él en pleno confinamiento. Este grupo es pura Marina Alta: entre sus miembros también hay gente de Pedreguer o de Sanet. Cantan en inglés temas propios. «Tocamos mucho por ahí fuera pero para nosotros es un auténtico lujo hacerlo y sobre todo disfrutarlo en nuestra tierra», afirma su cantante.

El grupo, que se creó en 2011, está compuesto por una potente sección de vientos, voz y una sección rítmica. Su repertorio está repleto de temas soul, funk y R&B, clásico y contemporáneo, con alguna pincelada rock. En sus directos abundan los covers de grandes del género: desde Otis Reading, Etta James, Rufus Thomas, pasando por Stevie Wonder, Towerof Power y llegando a la actualidad con Eli Paperboy Red, Sharon Jones, Incognito.

En 2016 resultaron ganadores del Concurso Nacional de Bandas de Música Negra del Imagina Funk 2016, formando parte del cartel del festival en la edición Imagina Funk Take10 en julio de 2017.

Entrada gratuita con invitación que se pueden adquirir en la web www.notikumi.com.

Todas las noticias de Música al Castell 2021 en el especial que La Marina Plaza dedica al festival


La Marina Plaza, periodismo pase lo que pase… siempre

Llevamos juntos siete años. Y juntos hemos vivido ya de todo: inundaciones, incendios, crisis, momentos duros y otros muy buenos, gestas sociales y oleadas de solidaridad de las que nos hemos sentido orgullosos.. Por eso, tampoco ahora vamos a rendirnos. Queremos seguir contigo, haciendo lo que sabemos hacer: periodismo. ¿Nos ayudas?

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Los protagonistas de esta edición han sido el saxofonista Antonio Lizana, una figura como Lole Montoya, el violonchelista francés Matthieu Saglio y el cantaor Jonatan Penalba, a los que se les suma la formación que actuará el lunes 16 de agosto, Los Soulomonics. Con este cartel, los organizadores recalcan que este año se ha ofrecido una programación variada que ha cumplido las expectativas por su calidad y que, dentro de la temática del festival especializado en las músicas del mundo, ha habido una diversa representación que ha satisfecho a las diferentes sensibilidades musicales. “Destacamos la interesante propuesta de los músicos valencianos, siempre presentes en nuestras programaciones, Matthieu Saglio con un delicioso concierto y Jonatan Penalba con un programa tradicional, poético y evocador”.

Ha sido una edición que se ha desarrollado en unas circunstancias especiales al estar condicionada por las medidas sanitarias, que han motivado por ejemplo que el festival haya tenido que abandonar su emblemática sede del Castillo de Dénia y se haya tenido ubicar en los Jardines de Torrecremada. A falta del concierto que brindarán The Soulmonics, la organización ya mira a la edición de 2022, que servirá para festejar el 30 cumpleaños del festival, “un hito que tenemos que celebrar de manera especial,  ya estamos trabajando para hacer una programación extraordinaria”.

El soul enérgico de The Soumonics

La banda comarcal presentará el lunes 16 de agosto su nuevo trabajo Detener la tiempo, confeccionado buena parte de él en pleno confinamiento. Este grupo es pura Marina Alta: entre sus miembros también hay gente de Pedreguer o de Sanet. Cantan en inglés temas propios. «Tocamos mucho por ahí fuera pero para nosotros es un auténtico lujo hacerlo y sobre todo disfrutarlo en nuestra tierra», afirma su cantante.

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Entrada gratuita con invitación que se pueden adquirir en la web www.notikumi.com.

Todas las noticias de Música al Castell 2021 en el especial que La Marina Plaza dedica al festival


La Marina Plaza, periodismo pase lo que pase… siempre

Llevamos juntos siete años. Y juntos hemos vivido ya de todo: inundaciones, incendios, crisis, momentos duros y otros muy buenos, gestas sociales y oleadas de solidaridad de las que nos hemos sentido orgullosos.. Por eso, tampoco ahora vamos a rendirnos. Queremos seguir contigo, haciendo lo que sabemos hacer: periodismo. ¿Nos ayudas?

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Drá-cu-la, la sóla mención de su nombre nos estremece, el terrorífico Conde creado por Bram Stoker ha sido interpretado por actores variopintos pero el genuino es Bela Lugosi el transilvano que lo convirtió con su magnífica interpretación en un mito de la historia del cine de terror contemporáneo.

Béla Ferenc Dezs Blasco, conocido como Bela Lugosi nació en Lugoj, Transilvania, de la que deriva su nombre artístico en 1884.

Hijo de un banquero acomodado, de aristocrática estirpe. Lugosi estudia arte dramático en Budapest debutando a los 20 años en Romeo y Julieta, interpretación convertirse en ídolo teatral del país como intérprete de teatro clásico. Durante la Primera Guerra Mundial obtiene el grado de capitán del ejército húngaro. Tras ser herido en tres ocasiones es dado de alta.

Debuta en el cine en 1917.

Bela Lugosi debuta en el papel de Drácula en 1931

Terceros

Durante la revolución húngara de 1918 se posiciona como izquierdista y funda el sindicato de actores, su militancia provoca su huida del país en 1919 primero a Austria y después a Alemania para recalar finalmente en Estados Unidos en 1920. Es allí donde topa con el papel de su vida, el Conde Drácula, que interpreta primero en los escenarios de Broadway, durante tres años y finalmente en el cine de la mano de Tod Browning en 1931. – El film no se estrenaría en España hasta 1965 -. Por el rodaje del film cobra tan sólo 3500 dólares por seis arduas semanas de rodaje, la mitad que el actor secundario, cegado por interpretar a Drácula es incapaz de negociar con coherencia. Su obsesión le llevó a identificarse hasta extremos irracionales con su personaje y lejos de huir de su encasillamiento se especializa en su interpretación y lo reinventa durante toda su carrera. Su fuerte acento, se ve obligado a memorizar fragmentos por sus carencias idiomáticas, y su complexión, a la par que su origen y su ascendencia le convertían en el perfecto intérprete. La fama hace de él de nuevo un ídolo, llegando a cobrar grandes sumas por sus trabajos, incluso como actor secundario.


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Teresa Amiguet

Un Drácula Fred Astaire gentileza de Guy Maddin

En una entrevista publicada en La Vanguardia el actor confesaba su intención de huir del cliché de actor de cine de terror sin éxito. Llegó incluso a rechazar la interpretación de otro histórico protagonista de la literatura de terror, Frankenstein , por ello y por temor a que el maquillaje que requiere su interpretación desagradase a sus fans. Finalmente lo interpretaría su compatriota Boris Karloff, con el que siempre fue comparado y sobre el que pesan conjeturas de presunta enemistad de por vida.

Bela Lugosi en 'Drácula'

Bela Lugosi en ‘Drácula’

Universal

Acreedor de una siniestra fama que cimentaba en consonancia con su personaje, se dijo que dormía en un ataúd. Se empezaban a vislumbrar indicios de desequilibrios mentales.

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En el ocaso de su vida, actúa requerido por Ed Wood ferviente admirador de su obra, considerado “el peor director de la historia”. Rueda con él su último y póstumo film, Plan 9 del espacio exterior en 1956.

Fotograma de 'Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein', última aparición de Bela Lugosi en la gran pantalla en el papel de Drácula

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Béla Ferenc Dezs Blasco, conocido como Bela Lugosi nació en Lugoj, Transilvania, de la que deriva su nombre artístico en 1884.

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Bela Lugosi debuta en el papel de Drácula en 1931

Terceros

Durante la revolución húngara de 1918 se posiciona como izquierdista y funda el sindicato de actores, su militancia provoca su huida del país en 1919 primero a Austria y después a Alemania para recalar finalmente en Estados Unidos en 1920. Es allí donde topa con el papel de su vida, el Conde Drácula, que interpreta primero en los escenarios de Broadway, durante tres años y finalmente en el cine de la mano de Tod Browning en 1931. – El film no se estrenaría en España hasta 1965 -. Por el rodaje del film cobra tan sólo 3500 dólares por seis arduas semanas de rodaje, la mitad que el actor secundario, cegado por interpretar a Drácula es incapaz de negociar con coherencia. Su obsesión le llevó a identificarse hasta extremos irracionales con su personaje y lejos de huir de su encasillamiento se especializa en su interpretación y lo reinventa durante toda su carrera. Su fuerte acento, se ve obligado a memorizar fragmentos por sus carencias idiomáticas, y su complexión, a la par que su origen y su ascendencia le convertían en el perfecto intérprete. La fama hace de él de nuevo un ídolo, llegando a cobrar grandes sumas por sus trabajos, incluso como actor secundario.


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Teresa Amiguet

Un Drácula Fred Astaire gentileza de Guy Maddin

En una entrevista publicada en La Vanguardia el actor confesaba su intención de huir del cliché de actor de cine de terror sin éxito. Llegó incluso a rechazar la interpretación de otro histórico protagonista de la literatura de terror, Frankenstein , por ello y por temor a que el maquillaje que requiere su interpretación desagradase a sus fans. Finalmente lo interpretaría su compatriota Boris Karloff, con el que siempre fue comparado y sobre el que pesan conjeturas de presunta enemistad de por vida.

Bela Lugosi en 'Drácula'

Bela Lugosi en ‘Drácula’

Universal

Acreedor de una siniestra fama que cimentaba en consonancia con su personaje, se dijo que dormía en un ataúd. Se empezaban a vislumbrar indicios de desequilibrios mentales.

Recreó por última vez a Drácula en Bud Abbott y Lou Costello conocen a Frankenstein en 1948.

En el ocaso de su vida, actúa requerido por Ed Wood ferviente admirador de su obra, considerado “el peor director de la historia”. Rueda con él su último y póstumo film, Plan 9 del espacio exterior en 1956.

Fotograma de 'Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein', última aparición de Bela Lugosi en la gran pantalla en el papel de Drácula

Fotograma de ‘Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein’, última aparición de Bela Lugosi en la gran pantalla en el papel de Drácula

Terceros

Adicto a la morfina que empezó a consumir durante su estancia en el frente, con los brazos acribillados por la aguja y prácticamente en la indigencia, Frank Sinatra financiaría su entierro, fallece ese mismo año en su domicilio de Los Ángeles.

Un ataque al corazón acaba con la vida del mítico actor a los 73 años mientras dormía.  Lo encuentra su quinta mujer la también actriz Hone Linipeg.

Tal y como indicó en su testamento es incinerado portando su capa de vampiro. El conde al fin descansaba en paz… ¿o no?

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A los siete años de edad dió los primeros pasos en la música a los nueve, asesorado por su padre, tocó en diferentes agrupaciones del Bayamo natal y a los 12, dirigió orquestas, función en la que se mantuvo durante tres décadas

MÚSICO ITINERANTE

“Casi toda mi vida artística la desarrollé en agrupaciones fuera de la ciudad: Tropicana, en el cabaret Caribe del hotel Habana Libre, tocando en la Riverside, la Hermanos Avilés y los Chicos de Cuba, de Holguín; Los Taínos,con los que recorrí varios países, fui clarinetista y director de la orquesta del Estado Mayor de Oriente, …

“Trabajé en el conjunto de Música Moderna de esa región, en los circos Montalvo y Pubillones, Santos y Artigas… en cuyos escenarios me remuneraban económicamente mejo como solista.

“También hice temporadas en Liberación Juvenil, Tropical, Ronda lírica, en el Cuco Bar, con Los Yero…

“En aquellos tiempos no pertenecíamos a ninguna unidad estatal, muchos ejercían múltiples oficios: zapateros, barberos, tabaqueros… desdoblándose laboralmente para trabajar por contrato en la música, en dependencia de la capacidad interpretativa del personal.

OTRAS ARISTAS

“En la década de los años 70 del siglo pasado fundé y dirigí en Bayamo la orquesta Los Armónicos, con la nueva división político-administrativa atendí el departamento de Arte en la dirección provincial de Cultura y luego presidí la Comisión territorial evaluadora de músicos, espectáculos y profesores de las diferentes escuelas.

“Impartí clases en el conservatorio Esteban Salas, de Santiago de Cuba, en las academias bayamesas Rafael Cabrera y Manuel Muñoz Cedeño, de la que también fui fundador y otras enclavadas en el territorio nacional.

“Formé parte del Cuarteto de saxofones de esta ciudad, líder de la orquesta cabaret Bayam, precursor del Festival de música cubana Sindo Garay e integrante de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, que me ha convocado reiteradamente para participar en el encuentro territorial de Saxofonistas solistas.

“Nunca me estacioné en una agrupación, debido a la forma itinerante que llevé y la preparación recibida desde los años iniciales, pienso que la vida es cambiante y esta profesión también.

“Todo artista está obligado a estudiar y a superarse diariamente, de lo contrario queda en el camino de los intrascendentes”.

EVOCACIÓN

El anochecido pentagrama cae sobre los años, atrás queda el recuerdo, los gratos momentos y las proféticas palabras del trompetista y cantante Louis Armstrong: “Los músicos no se retiran; dejan de tocar cuando ya no hay más música en ellos”. Tal vez es lo que pretenda.

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A los siete años de edad dió los primeros pasos en la música a los nueve, asesorado por su padre, tocó en diferentes agrupaciones del Bayamo natal y a los 12, dirigió orquestas, función en la que se mantuvo durante tres décadas

MÚSICO ITINERANTE

“Casi toda mi vida artística la desarrollé en agrupaciones fuera de la ciudad: Tropicana, en el cabaret Caribe del hotel Habana Libre, tocando en la Riverside, la Hermanos Avilés y los Chicos de Cuba, de Holguín; Los Taínos,con los que recorrí varios países, fui clarinetista y director de la orquesta del Estado Mayor de Oriente, …

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OTRAS ARISTAS

“En la década de los años 70 del siglo pasado fundé y dirigí en Bayamo la orquesta Los Armónicos, con la nueva división político-administrativa atendí el departamento de Arte en la dirección provincial de Cultura y luego presidí la Comisión territorial evaluadora de músicos, espectáculos y profesores de las diferentes escuelas.

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EVOCACIÓN

El anochecido pentagrama cae sobre los años, atrás queda el recuerdo, los gratos momentos y las proféticas palabras del trompetista y cantante Louis Armstrong: “Los músicos no se retiran; dejan de tocar cuando ya no hay más música en ellos”. Tal vez es lo que pretenda.

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Gregory Porter

El cantante lanza Nat ‘King’ Cole y yo, disco en el que rinde homenaje al legendario vocalista con una selección de su repertorio histórico. A partir de marzo lo presentará en España sobre escenarios como el Teatro Real, el Liceo de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Cuando era un muchacho de unos 5 o 6 años, Gregory Porter (Sacramento, 1971) ya afinaba notas con su garganta. Un día grabó una canción en una casete y se la puso a su madre cuando esta regresó del trabajo. Ella le dijo que le recordaba a Nat ‘King’ Cole, lo que disparó la curiosidad del balbuciente barítono por el legendario cantante y pianista. “Empecé a escuchar todos los discos que había de él en casa. Mi hermano mayor era el vigilante de la discografía, que estaba en el salón. En teoría, los pequeños no podíamos meter las manos ahí pero conmigo hacía una excepción”, explica a El Cultural Porter en un hotel madrileño, donde despacha entrevistas vestido como un pincel, con su perenne gorra negra coronando su atildada indumentaria.

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Cole se convirtió en una especie de padre para Porter. Por eso es tan especial para él el disco que acaba de lanzar, Nat ‘King’ Cole y yo, el tercero bajo el sello Blue Note, el quinto suyo de estudio, donde interpreta un ramillete de temas popularizados por su héroe: Mona Lisa, Sonrisa, Nature Boy, Pick Yoursel Up, Bailarina“He seleccionado todos aquellos temas que me emocionaban cuando era un chaval, los que me influyeron luego cuando decidí hacerme yo mismo cantante”. La colección, además, la remata con una pieza pintiparada para estas fechas: La Canción de Navidad, que Cole grabó por primera vez con su trío en 1946 y posteriormente, en 1961, con una orquesta. Porter, a su vez, se ha arropado con la London Studio Orchestra, formada por 70 músicos, para completar su guiño a Cole, una figura esencial en su infancia y adolescencia, ya que, de algún modo, sustituyó en su corazón a su padre siempre ausente.

“Llenó su vacío. Muchas de sus letras contenían consejos y frases de ánimos, las típicas que un padre pronuncia para su hijo: ‘levántate, sacúdete el polvo e inténtalo de nuevo’, ‘finge que estás feliz aunque estés triste’, ‘sonríe’, ‘lo más importante que jamás aprenderás es amar y ser amado’… Hay muchas más, sus canciones están llenas de lecciones vitales, que yo hice mías”, recuerda Porter, ganador de un Grammy en 2014 por su álbum Espíritu líquido. El conjunto de piezas escogidas suena como una banda sonora. Un efecto deliberado por Porter y Vince Mendoza, que las ha arreglado para la orquesta londinense, impregnándolas de esa atmósfera cinematográfica. Podrían enguantarse perfectamente en una película de esas de muchacho triste y apocado, aunque talentoso y determinado, que acaba superando todos los obstáculos que le separan de su sueño.

Ese argumento casa al milímetro con la trayectoria del propio Porter, hoy día uno de los vocalistas del gremio del jazz y el soul más cotizado y carismático. De muy pequeño sentía que Cole hablaba de él mismo. Una sensación especialmente marcada cuando escuchaba Chico de la naturaleza, inspirada en un “muchacho triste y tímido”. “Es que yo era así”, confiesa. Con los años, en cambio, fue cimentando una personalidad afable y con la extroversión necesaria para conectar con el público desde el escenario. Así lo hará en España en su próxima e intensa gira, que incluye teatros de mucho postín: Liceo (13 marzo), Maestranza (17 marzo), Baluarte (16 mayo), Real (23 de julio, en el Festival Universal), Mar de Músicas (24 julio) y Jazzaldia (29 julio). Será buen momento para defender el bolero Quizás, quizás, quizás de Osvaldo Farrés, que ha incorporado en Nat King Cole y yo . “Ha sido divertido frasear en español. Obviamente, no suena como si lo cantara un nativo, claro, aunque cuando iba al instituto estudié vuestra lengua. Pero si no la usas, lo pierdes, es inevitable. Me encanta cómo se construyen las palabras españolas”.

Lo que no le gusta, nada, es la situación política de su país, gobernado por un personaje que detesta: Trump. “Significa un grave problema. Un líder político puede empujar a la gente hacia extremos muy peligrosos. Nunca pensé que mi hijo crecería en un entorno tan infame. Hoy mismo ha estado tuiteando contra los musulmanes. Yo no soy musulmán, tampoco soy mexicano, pero quiero que todos ellos sean tratados con respeto en Estados Unidos. La situación creada por Trump es angustiosa y agotadora. No hay día que no te encuentres alguna estupidez suya en los titulares. Pensábamos que todas esas tonterías eran una cosa de la campaña, cuando necesitaba llamar la atención, pero no: la pesadilla se ha prolongado. Él es así, no estaba actuando. Ha tenido mucho éxito en los negocios y me parece muy bien, pero ignora por completo las dificultades de los de abajo. No tiene ni idea. Y lo peor es que ni le preocupa”.

El gesto bonachón y por lo general sonriente de Porter se torna grave al arremeter contra el actual inquilino de la Casa Blanca. En el disco también cuela su vertiente político-reivindicativa en Cuando el amor era rey, la única canción de su propia cosecha. “Le hablo a él directamente. Necesitaba hacerlo. Es un intento de romper su aislamiento de la realidad”, dice. Porter enarbola un canto a la tolerancia y la concordia. “La gente que realmente ha hecho grande a América, ese lema con el que se le llena la boca, no son los multimillonarios ni los supremacistas, no, son los que lucharon por los derechos civiles, que consiguieron que todos fuéramos iguales bajo la bandera de las barras y estrellas”.

@albertoojeda77

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