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Los personajes que integran esta pandilla de treintañeros que viven en Manhattan en los años noventa son un referente indiscutible de la cultura pop, al igual que los de Amigos pero por razones que poco tienen que ver. No paran en un café acogedor como el Central Perk sino en un cena un tanto mugriento, no alquilan apartamentos envidiables de renta antigua ni hay enredos románticos porque la dinámica de su relación está basada en el cachondeo de las miserias de los otros. Y una de las que más se ríe es Elaine, el único personaje femenino de la serie, al que interpreta Julia Louis-Dreyfus.

Julia Louis-Dreyfus y Jerry Seinfeld en un escena de ‘Seinfeld’. Foto: Getty

Cuando Larry David y Jerry Seinfeld plantearon la comedia de enredo, no pensaron en que una mujer tuviese un papel protagonista, pero ante el peligro de que la NBC frenase la producción después de ver el piloto tuvieron que ampliar el elenco. Así introdujeron a Elaine Benes, inspirada en Carol Leifer, una exnovia de Seinfeld, como lo es el personaje en la serie. Alejandra Palés, periodista especializada en series en medios como Serielizados o el Diario Ahora, sostiene que “sí que fue un acierto que lo incluyeran, tal y como les pidió la cadena. Porque aunque Elaine pueda ser tan absurda como sus amigos, también aporta un punto de vista femenino que creo que es imprescindible, o hubiera quedado una serie muy escorada hacia la testosterona”.

Pese a que Elaine y Seinfeld tienen un pasado amoroso, ese aspecto no se desarrolla. Es una de las características que marca la diferencia con la mayoría de las ficciones: no hay atracción entre los protagonistas. “Recuerdo que cuando veía la serie y era preadolescente me frustraba enormemente porque no entendía que no estuvieran juntos o se explotara de alguna manera la tensión sexual. Hasta que no fui un poco más mayor no entendí que la serie no iba de eso y que estaba muy bien que no fuera sobre eso”, afirma Palés.

Julia Louis-Dreyfus.

Julia Louis-Dreyfus. Foto: Getty

Elaine es una mujer independiente, que trabaja en la industria editorial, con una capacidad sorprendente para pegar empujones pese a su baja estatura y con mucho carácter. La artista Rocío Quillahuaman explica: “Está harta de todo. No soporta a sus amigos, no soporta a sus conocidos, no soporta las fiestas, no soporta su trabajo ni a sus compañeros de trabajo, no soporta las injusticias, no se calla ni una, es divertida, es vengativa (y cómo me gusta que lo sea y lo disfrute)”. Las protagonistas de las conocidas animaciones de Quillahuaman, en las que retrata con humor situaciones de la vida cotidiana, tienen mucho que ver con Elaine. “Seguramente haya sido referente para muchas cómicas de hoy en día. Para mí lo ha sido tanto a nivel de estilo como a nivel artístico. Hay un episodio en Seinfeld en la temporada ocho que se llama El Paciente Inglés en el que Elaine rompe a gritar en medio de una sesión de esa película en el cine porque la odia y no la aguanta más. Esa escena tiene la esencia de todo lo que quiero que sean mis animaciones”, detalla.

El estilo que señala Quillahuaman —“si llevo abrigos largos de señora es por ella”, dice— se hizo tan reconocible como el de Rachel de Amigos o Margot en Los Tenenbaums. Una familia de genios, si bien va evolucionando a lo largo de las temporadas para adaptarse a los cambios vitales del personaje, de trabajadora precaria asciende a jefa dentro del sector editorial. Charmaine Simmons, diseñadora de vestuario de Seinfeld, perfiló su imagen usando mocasines con calcetines a la vista, chaquetas de estilo masculino, mochila de cuero al hombro (solo a uno) y vestidos largos y fluidos, su sello clave. Jaime Perlman, antigua directora de arte de Vogue Reino Unido, afirmó en una ocasión que su armario estaba lleno de “vestidos de Elaine”. Cómoda y atractiva pero “sin que su prioridad fuese mostrarse sexy”, según especificó Julia Louis-Dreyfus en Los New York Times.

El reparto de 'Seinfeld'.

El reparto de ‘Seinfeld’. Foto: Getty

¿Un referente del feminismo?

En su momento, fue un referente del feminismo —al menos para las mujeres cisgénero, blancas, heterosexuales y de clase media—, pero a veces las ficciones no soportan bien el paso de los años y esta se estrenó hace tres décadas. Sin embargo, Elaine fue pionera en el trato de ciertos temas sobre los que a día de hoy se sigue discutiendo. Véase, por ejemplo, el del aborto: en la temporada seis, en el capítulo titulado El sofá, Benes renuncia a una relación con un hombre que le atrae mucho porque no es partidario de la libre elección. Y los guionistas tampoco dejan de lado la comedia para desarrollar la historia, no hay más drama que el de la decepción de Elaine por perder a un amante tan guapo.

Su manera de vivir la sexualidad es otro de los aspectos a señalar de su personaje ya que su deseo y sus relaciones se muestran de la misma manera que los del resto del elenco —Seinfeld, Constanza y Kramer, tres hombres—. De hecho, el episodio preferido de Larry David y por el que ganó un Emmy es El concurso, de la temporada cuatro, en el que los cuatro hacen una apuesta para ver quién aguanta más tiempo sin masturbarse. Pese a lo que todos pensaban, la segunda que cae es ella. También quiere escoger su método anticonceptivo sin que nadie interfiera y declara abiertamente que no quiere tener hijos.

“En su momento, y también ahora, era la demostración de que existían mujeres que se salían de la norma que marcaba que tenían que ser agradables y majas todo el rato”, destaca Palés. “Seguramente habrá pequeños detalles que nos parecerán trasnochados o anticuados respecto a nuestra mentalidad actual, pero a mí me parece un personaje bastante adelantado y que no desencajaría en una comedia ambientada en la actualidad”.

Rocío Quillahuaman también considera que el personaje sigue teniendo plena validez. “En el episodio que describía antes hay una escena en la que explica que las escenas de sexo de esa película le parecen irreales y dice algo muy divertido: «Give me something I can use!» [«dadme algo que pueda usar»]. Y todos sus fracasos amorosos, que bien compiló Nick Lutsko en esta canción. La primera vez que vi esta serie era mucho más joven, pero la he vuelto a ver varias veces en diferentes etapas de mi adultez y me he ido dando cuenta de que el único personaje con el que me siento identificada es Elaine. Quiero decir, es un personaje de una mujer blanca escrito por hombres blancos pero aun así… es realmente la única santa a la que rezo”.

Julia Louis-Dreyfus y Jerry Seinfeld.

Julia Louis-Dreyfus y Jerry Seinfeld. Foto: Getty

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Los personajes que integran esta pandilla de treintañeros que viven en Manhattan en los años noventa son un referente indiscutible de la cultura pop, al igual que los de Amigos pero por razones que poco tienen que ver. No paran en un café acogedor como el Central Perk sino en un cena un tanto mugriento, no alquilan apartamentos envidiables de renta antigua ni hay enredos románticos porque la dinámica de su relación está basada en el cachondeo de las miserias de los otros. Y una de las que más se ríe es Elaine, el único personaje femenino de la serie, al que interpreta Julia Louis-Dreyfus.

Julia Louis-Dreyfus y Jerry Seinfeld en un escena de ‘Seinfeld’. Foto: Getty

Cuando Larry David y Jerry Seinfeld plantearon la comedia de enredo, no pensaron en que una mujer tuviese un papel protagonista, pero ante el peligro de que la NBC frenase la producción después de ver el piloto tuvieron que ampliar el elenco. Así introdujeron a Elaine Benes, inspirada en Carol Leifer, una exnovia de Seinfeld, como lo es el personaje en la serie. Alejandra Palés, periodista especializada en series en medios como Serielizados o el Diario Ahora, sostiene que “sí que fue un acierto que lo incluyeran, tal y como les pidió la cadena. Porque aunque Elaine pueda ser tan absurda como sus amigos, también aporta un punto de vista femenino que creo que es imprescindible, o hubiera quedado una serie muy escorada hacia la testosterona”.

Pese a que Elaine y Seinfeld tienen un pasado amoroso, ese aspecto no se desarrolla. Es una de las características que marca la diferencia con la mayoría de las ficciones: no hay atracción entre los protagonistas. “Recuerdo que cuando veía la serie y era preadolescente me frustraba enormemente porque no entendía que no estuvieran juntos o se explotara de alguna manera la tensión sexual. Hasta que no fui un poco más mayor no entendí que la serie no iba de eso y que estaba muy bien que no fuera sobre eso”, afirma Palés.

Julia Louis-Dreyfus.

Julia Louis-Dreyfus. Foto: Getty

Elaine es una mujer independiente, que trabaja en la industria editorial, con una capacidad sorprendente para pegar empujones pese a su baja estatura y con mucho carácter. La artista Rocío Quillahuaman explica: “Está harta de todo. No soporta a sus amigos, no soporta a sus conocidos, no soporta las fiestas, no soporta su trabajo ni a sus compañeros de trabajo, no soporta las injusticias, no se calla ni una, es divertida, es vengativa (y cómo me gusta que lo sea y lo disfrute)”. Las protagonistas de las conocidas animaciones de Quillahuaman, en las que retrata con humor situaciones de la vida cotidiana, tienen mucho que ver con Elaine. “Seguramente haya sido referente para muchas cómicas de hoy en día. Para mí lo ha sido tanto a nivel de estilo como a nivel artístico. Hay un episodio en Seinfeld en la temporada ocho que se llama El Paciente Inglés en el que Elaine rompe a gritar en medio de una sesión de esa película en el cine porque la odia y no la aguanta más. Esa escena tiene la esencia de todo lo que quiero que sean mis animaciones”, detalla.

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El reparto de 'Seinfeld'.

El reparto de ‘Seinfeld’. Foto: Getty

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Rocío Quillahuaman también considera que el personaje sigue teniendo plena validez. “En el episodio que describía antes hay una escena en la que explica que las escenas de sexo de esa película le parecen irreales y dice algo muy divertido: «Give me something I can use!» [«dadme algo que pueda usar»]. Y todos sus fracasos amorosos, que bien compiló Nick Lutsko en esta canción. La primera vez que vi esta serie era mucho más joven, pero la he vuelto a ver varias veces en diferentes etapas de mi adultez y me he ido dando cuenta de que el único personaje con el que me siento identificada es Elaine. Quiero decir, es un personaje de una mujer blanca escrito por hombres blancos pero aun así… es realmente la única santa a la que rezo”.

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Con una fusión de cultura popular, folklore y tradición culta desde el humor, este espectáculo está interpretado por Alejandra López, Teresa Quintero, Rocío Segovia y Ana López Segovia. Se trata de una actuación que se enmarca en el Programa ‘Actuamos’ propuesto por la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

Una obra que ha cosechado gran éxito y que resultó ganadora del Premio al Mejor Espectáculo Revelación de la XXIII edición 2020 de los Premios Max de las Artes Escénicas.

El espectáculo

Dos amigas: Vero y Mariola. Dos amigas tan amigas que son hermanas. Unidas desde la infancia por un amor y una fidelidad inquebrantable. Compartiendo todo: juguetes, ropa, cigarros, colorete…

El nuevo espectáculo es una reflexión, lúdica y “jonda” a la vez, sobre la suerte. Sobre los celos y la culpa, las pasiones y los amores prohibidos. Muchos de los grandes temas de la tragedia están presentes en esta obra: el enfrentamiento del ser humano con la divinidad, en un pulso que solo puede conducir a la destrucción de los seres más queridos por haber osado cuestionar a los dioses; el destino inevitable de las heroínas, arrastradas por pasiones que siempre vencen a cualquier razonamiento; el mensajero que trae consigo solo noticias aciagas; la voz del pueblo, que observa expectante, y que comenta en voz alta la debacle de las dos amigas, la destrucción de dos vidas que parecían solo una.

Todo ello en verso, recitado o cantado, marcando el ritmo impasible de la tragedia. Estrofas denominadas “cultas” por la tradición literaria como el soneto, la lira, los tercetos, los pareados, la décima… Y otras más populares como el romance, la quintilla, o las cuartetas típicas del romancero carnavalesco gaditano… En ‘Las niñas de Cádiz’ hay siempre un empeño en fusionar lo culto con lo popular, es un terreno que les apasiona y que les enriquece, y al que no quieren renunciar. Al igual que no quieren renunciar al humor, un humor trágico si se quiere, pero humor, siempre presente en su mundo, como una forma de mirar la vida desde un lugar que nos ayuda a sobrellevarla.

El humor como herencia de la tierra de donde vienen, y a la que siempre volvemos, inevitablemente: Cádiz. El aliento será trágico, cómo no, pero la función estará atravesada por la carcajada. Porque saben que en toda historia terrible hay una paradoja, una contradicción que puede llevar a la comedia; y al contrario, en todo arranque de humor hay un fondo de tragedia.

La historia detrás de ‘El viento es salvaje’

‘El viento es salvaje’ es una recreación libre de dos de los personajes femeninos más apasionantes de la historia de la cultura universal: Fedra y Medea. El autor a través del cual se dieron a conocer fue Eurípides, que ha sido considerado tradicionalmente como un experto conocedor y hábil retratista de las pasiones femeninas. Para una compañía integrada por mujeres, la tentación de bucear en estos seres humanos era casi imposible de resistir.

Por ello, ‘Las niñas de Cádiz’ han traído esos mitos hasta nuestro mundo, para que respiren nuestro aire, nuestras circunstancias, nuestras costumbres y nuestras maneras de decir y hacer. Nuestra Fedra y nuestra Medea son personajes que viven dentro de una realidad aparentemente gris, anodina. Nada especial hay en sus vidas. Solo cuando surge el conflicto, asumen repentinamente la actitud de la heroína trágica, se colocan bajo la influencia de una fatalidad antigua que terminará destruyendo todo lo que encuentre a su paso. Se puede decir que con estas Fedra y Medea, el humor se hace mítico y jondo, y por el contrario, la tragedia adquiere una dimensión cotidiana.

Para levantar este inmenso castillo de emociones, el eleco ha contado con la colaboración de José Troncoso. Viejo amigo de sus inicios teatrales, se volvieron a encontrar años después con este apasionante proyecto, en el que se constata la enorme sintonía que existe entre nuestros universos creativos, los cuales tienen además un nexo común e insoslayable: Cádiz.

Esta fábula adquirió una dimensión especial cuando se incorpora un personaje que en Cádiz tiene un valor prácticamente sobrenatural: el viento de Levante. Un viento como elemento premonitorio de la tragedia y también como detonante. Un viento salvaje que arrastra y enloquece, que aniquila el libre albedrío y convierte a los seres humanos en marionetas arrastradas por la locura. El título de la función, ‘El viento es salvaje’ es, además, un homenaje a la bellísima canción ‘Wild is the wind’, versionada por autores como David Bowie y Nina Simone.

La escenografía además, es mínima: cuatro banquetas, dos galanes de noche y una jaula con su pie dorado. Una austeridad buscada de manera consciente.

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Dos amigas: Vero y Mariola. Dos amigas tan amigas que son hermanas. Unidas desde la infancia por un amor y una fidelidad inquebrantable. Compartiendo todo: juguetes, ropa, cigarros, colorete…

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La historia detrás de ‘El viento es salvaje’

‘El viento es salvaje’ es una recreación libre de dos de los personajes femeninos más apasionantes de la historia de la cultura universal: Fedra y Medea. El autor a través del cual se dieron a conocer fue Eurípides, que ha sido considerado tradicionalmente como un experto conocedor y hábil retratista de las pasiones femeninas. Para una compañía integrada por mujeres, la tentación de bucear en estos seres humanos era casi imposible de resistir.

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Poseían el talento para triunfar. Pero adolecían de un defecto: eran mujeres. Y fueron eclipsadas por sus parejas, varones y también artistas, que en algún caso las fagocitaron con absoluto descaro. Katie McCabe, escritora y editora irlandesa, reivindica en Más que una musa. Relaciones creativas que eclipsaron a las mujeres (Garbuix Books) a más de una veintena de artistas que, entre mediados del siglo XIX y finales del XX, no brillaron como merecían. El libro es un retrato sociológico que analiza la forma en que la “lente misógina” minusvaloró o ignoró su obra. Y en las ocasiones en que se detuvo para estudiarla lo hizo comparándola con la de su pareja masculina, que, curiosamente, siempre se consideró superior.

Al mirar reseñas antiguas sobre parejas artísticas descubrí que el enfoque tendía a centrarse en cómo las mujeres eran influenciadas por los hombres, rara vez al revés”



Katie McCabeAutora de ‘Más que una musa. Relaciones creativas que eclipsaron a las mujeres’

“Para mí tiene mucho sentido que dos artistas que viven juntos influyan en los estilos del otro de alguna manera, ¿cómo no? Pero al mirar reseñas antiguas descubrí que el enfoque tendía a centrarse en cómo las mujeres eran influenciadas por los hombres, rara vez al revés. Los críticos se mostraban condescendientes con las obras realizadas por mujeres y eso alimentaba también la opinión pública”, explica McCabe para Revista Estilo de vida.

Algunas artistas padecieron crisis de confianza en cuanto se casaron y tuvieron hijos. Se fueron alejando de su actividad artística, agobiadas por la carga de llevar todo el peso del trabajo doméstico. En su interior crecieron las dudas y muchas creyeron que ya habían perdido la chispa creativa de su juventud, por lo que quizás era mejor ayudar a triunfar a su esposo. A Clara Schumann, que estuvo al cargo de sus ocho hijos, le sucedió.

Clara Shcumann (1819-1896), extraordinaria intérprete y compositora, en una foto tomada en 1850

Archivo de imágenes históricas de Granger / Alamy Foto de stock

Clara Schumann

El virtuosismo truncado

Fue una de las compositoras y pianistas más importantes del siglo XIX, pero su boda con Robert Schumann, con quien se casó enamorada, se convirtió en un tapón para su carrera artística, que empezó a los 9 años con conciertos multitudinarios y que apuntaba alto en el ámbito de la composición. Su marido, que se encerraba en casa para componer, la ayudó poco el trabajo doméstico y en el cuidado de los hijos -tuvieron ocho-, por lo que Clara cargó con todo, aunque tuvo la ayuda de dos asistentas. Cuando hacía giras -cada vez menos y más difíciles de organizar, porque no estaba bien visto que una mujer viajara sola-, su marido la acribillaba con cartas en las que le pedía que volviera, supuestamente herido de añoranza. Estas cartas tenían un efecto devastador en ella: “Antes pensaba que poseía talento creativo, pero he abandonado esta idea; una mujer no debe desear componer, nunca ha habido ninguna que fuera capaz de hacerlo. ¿Y se supone que voy a ser yo la que lo consiga? Sería de tal arrogancia creer algo así…”, escribió en su diario en 1839. Aun así compuso piezas magníficas, entre las que destaca Trío de piano. Op. 17, considerada una obra maestra.

“Mirar estas historias nos permite cuestionar lo que podrían haber sido si se les hubieran dado las mismas libertades creativas que a sus compañeros masculinos. Aunque las cosas obviamente han mejorado, todavía tenemos esta discusión sobre la división desigual del trabajo doméstico en la actualidad”. Muchas de ellas, además, no podían estudiar en las academias de Bellas Artes. Y, en el caso de ser admitidas, no podían dibujar cuerpos desnudos.


Lee también

Blas Felipe Palau

Portada y contraportada de la novela ilustrada 'Una mujer un voto', de Garbuix Books

La Real Academia de las Artes de Londres, fundada en 1768, no admitió a una estudiante hasta 1860. “A las mujeres se les prohibía el acceso a la formación más importante para cualquier artista: las clases de dibujo del natural. Resultaba impensable exponer a una mujer al desnudo masculino; la única forma en que tenían permitido entrar en una clase de dibujo del natural era ser ellas mismas la modelo desnuda”, explica McCabe en el libro.

Camille Claudel, que quedó ensombrecida por Rodin, en una foto de 1900

Camille Claudel, que quedó ensombrecida por Rodin, en una foto de 1900

Imágenes de Bridgeman

Camille Claudel

La sensualidad en el cincel

El caso de Camille Claudel enerva a McCabe. La escultora de El gran vales, una obra maestra del arte del cincel, fue rechazada por representar con demasiado erotismo la desnudez de unos cuerpos entrelazados: “Su trabajo fue criticado por ser demasiado sensual, cuando su capacidad para traducir esa sensualidad fue clave para su grandeza”, subraya McCabe, para Revista Estilo de vida. Lo que era un ejercicio de virtuosismo en una mujer joven se convertía a ojos de los varones del ramo en un exceso que traspasaba los límites puritanos. Claudel fue autora de esculturas extraordinarias, pero solo fue su maestro (y amante) Rodin quien reicibió las alabanzas de público y crítica. Y a pesar de ello, Claudel “posó para Rodin, pasando largas y extenuantes horas sobre un podio y sacrificando así el tiempo de que disponía para trabajar en sus propias esculturas”, explica McCabe. Cuando la relación fue conocida, solo Claudel pagó con el escarnio público. Su familia la repudió y esta situación, más la ausencia de valoración de su obra, la desestabilizó emocionalmente. Acabó su vida en un manicomio, donde permaneció internada a la fuerza durante treinta años, abandonada por su familia y por Rodin.

“Muchas de las principales escuelas de arte europeas, como la École des Beaux-Arts, no admitieron mujeres hasta finales del siglo XIX, lo que significaba que debían buscar una formación privada, algo que solo era realmente accesible para las mujeres de familias adineradas. Tenemos que preguntarnos cuántas mujeres artistas talentosas y florecientes nunca llegamos a ver, porque no eran ricas”, analiza McCabe.

Fue sorprendente ver cómo ver ciertos movimientos artísticos incluían mujeres y, tan pronto como ganaban notoriedad, se volvían cada vez menos visibles”

También fueron ensombrecidas por los liderazgos masculinos en movimientos artísticos como la Bauhaus o el surrealismo. “Fue sorprendente ver la frecuencia con la que ciertos movimientos artísticos como los antes citados incluían mujeres y, tan pronto como ganaban cierto nivel de notoriedad, sus contribuciones se volvían cada vez menos visibles. Es de nuevo, esa trampa de mirar el mundo a través de una lente misógina, otorgando más “autoridad” al trabajo creado por hombres”.

Los artistas estadounidenses casados ​​Margaret y Walter Keane (1915-2000) pintan juntos uno al lado del otro en su casa, 1965. (Foto de Bill Ray / The LIFE Picture Collection a través de Getty Images)

Margaret y Walter Kean en una foto de 1965. Walter se atribuyó como suya la obra de la que era autora su esposa, que trabajó sin descanso para que él triunfara

Bill Ray

Margaret Keane

Vivir con el marido vampiro

Clama al cielo el caso de Margaret Keane, que permitió que su marido triunfara y firmara los cuadros de figuras “de ojos grandes” que ella pintó durante decenios. Walter Keane siempre presumió de su obra, nunca tuvo unas palabras de elogio para su esposa, que “acabó aislándose, pintando bajo presión, aplastada por el peso de la culpa de su secreto compartido”. Cuantos más años pasaban, más atrapada se sentía Margaret, más difícil se le hacía destapar el secreto. Y a este desasosiego se le sumaban las exigencias de su pareja, que la presionaba para que aumentara la producción pictórica: “Walter alejó a los amigos de ella, de manera que pudiera obligarla a estar todo su tiempo dedicada a la pintura, agrandando el volumen creciente de obras supuestamente suyas. Le daría órdenes para que trabajase sobe diferentes temáticas. Si él salía, llamaba para asegurarse de que ella cumplía con su tarea”. La autora del libro pudo entrevistar en 2019 a Margaret, cuando tenía 92 años y al preguntarle por el momento en el que hizo público su situación, le confesó: “Llegué a darme cuenta de que no podía vivir así más tiempo y de que tenía que revelarlo para sobrevivir y tener algún tipo de dignidad. De otro modo, tampoco podía esperar que mi hija pudiera respetarme, por lo que no tenía alternativa”.

No las ayudó que fueran musas de sus parejas o modelos o sus amantes, porque estas situaciones las relegaron a un papel secundario. Y para rematarlo, “sus obras fueron vistas con frecuencia a través de esa lente misógina que, finalmente, dio más autoridad al trabajo de los hombres. Las obras de los hombres se vieron más, se discutieron más y así, a su vez, se elevaron en la mente de la gente”.

Destacan algunos casos en este libro, como el de Lil Hardin Armstrong –que encabeza la foto de este reportaje–, que lideró su propia banda de jazz, “que compuso algunos de los mejores álbumes de jazz que existen” y que fue la que animó a su segundo marido, Louis Armstrong, “a armarse de valor e intentar tener una carrera en solitario”. Fue su “fuerza motriz”, escribió muchos de sus temas más famosos –al final litigaron por la autoría de Sruttin’with Un poco de barbacoa– y vio cómo su nombre se empequeñecía, mientras el de su segundo marido se agrandaba: “No creía en sí mismo. Así que yo me quedaba abajo sujetando la escalera y viéndole subir”.

Alma Reville, junto al asistente de dirección Bernhard Goetzke, antes de casarse con Alfred Hitchcock en un set

Alma Reville, junto al asistente de dirección Bernhard Goetzke, antes de casarse con Alfred Hitchcock en un set

Everett Collection Inc / Alamy Foto de stock

Alma Reville, que poseía una carrera consolidada como guionista y editora cinematográfica, ayudó, aconsejó y promocionó al entonces desconocido Alfred Hitchcock. El libro está lleno de ejemplos en los que su participación mejoró los filmes del mago del suspense: su opinión fue fundamental para que se incorporara la música de violines chirriantes de Bernard Herrmann a las escenas de la ducha en Psicosis y le ayudó “en más de cincuenta producciones cinematográficas, ejerciendo de ayudante de dirección, guionista y continuista”. Es famosa la frase de Hitchcock cuando opinaba sobre un proyecto, guion o idea que le habían presentado: “A Alma le ha ecantado”.

La reputada artista Jo Nivison Hopper se desvivió para que las galerías se fijaran en un desconocido y poco valorado Edward Hopper. Años después, sus diarios descubrieron “a la artista frustrada que intenta encontrar un espacio para su pintura, llena de resentimiento y enfado hacia su marido insolidario”, que solo pensó en su obra.

Maria Llopis y sus alumnas en una acción en el Museu Picasso denunciando que el pintor era un maltratador

Maria Llopis y sus alumnas en una acción en el Museu Picasso denunciando que el pintor era un maltratador

REDACCIÓN / Terceros

Picasso, el genio maltratador

Katie McCabe no rehuyó en la entrevista para Revista Estilo de vida, hablar de la polémica sobre las acusaciones de maltrato que Picasso infligió a la artista Dora Maar cuando compartieron vida en común. Lo recordaba hace unos meses la protesta feminista que se realizó en el Museu Picasso, en Barcelona, acción que generó una polémica, que no es nueva, sobre si debía separarse la vida privada de la obra artística: “Para mí, el arte nunca puede separarse completamente de su contexto. No creo que nunca puedas separar el arte del artista. No sé mucho sobre la protesta reciente aparte de la información que he leído, pero creo que es positivo que la gente cuestione y debata la forma en que se presenta el arte en las galerías. Son para el público, después de todo, por lo que el público debe tener voz. Creo que, especialmente cuando se trata de Picasso, es muy importante reconocer la forma en que trató a las mujeres en su vida, ya que tiene una relevancia directa en algunas de sus pinturas. En todo caso, nos da una visión mejor y más honesta de su trabajo”.

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Poseían el talento para triunfar. Pero adolecían de un defecto: eran mujeres. Y fueron eclipsadas por sus parejas, varones y también artistas, que en algún caso las fagocitaron con absoluto descaro. Katie McCabe, escritora y editora irlandesa, reivindica en Más que una musa. Relaciones creativas que eclipsaron a las mujeres (Garbuix Books) a más de una veintena de artistas que, entre mediados del siglo XIX y finales del XX, no brillaron como merecían. El libro es un retrato sociológico que analiza la forma en que la “lente misógina” minusvaloró o ignoró su obra. Y en las ocasiones en que se detuvo para estudiarla lo hizo comparándola con la de su pareja masculina, que, curiosamente, siempre se consideró superior.

Al mirar reseñas antiguas sobre parejas artísticas descubrí que el enfoque tendía a centrarse en cómo las mujeres eran influenciadas por los hombres, rara vez al revés”



Katie McCabeAutora de ‘Más que una musa. Relaciones creativas que eclipsaron a las mujeres’

“Para mí tiene mucho sentido que dos artistas que viven juntos influyan en los estilos del otro de alguna manera, ¿cómo no? Pero al mirar reseñas antiguas descubrí que el enfoque tendía a centrarse en cómo las mujeres eran influenciadas por los hombres, rara vez al revés. Los críticos se mostraban condescendientes con las obras realizadas por mujeres y eso alimentaba también la opinión pública”, explica McCabe para Revista Estilo de vida.

Algunas artistas padecieron crisis de confianza en cuanto se casaron y tuvieron hijos. Se fueron alejando de su actividad artística, agobiadas por la carga de llevar todo el peso del trabajo doméstico. En su interior crecieron las dudas y muchas creyeron que ya habían perdido la chispa creativa de su juventud, por lo que quizás era mejor ayudar a triunfar a su esposo. A Clara Schumann, que estuvo al cargo de sus ocho hijos, le sucedió.

Clara Shcumann (1819-1896), extraordinaria intérprete y compositora, en una foto tomada en 1850

Archivo de imágenes históricas de Granger / Alamy Foto de stock

Clara Schumann

El virtuosismo truncado

Fue una de las compositoras y pianistas más importantes del siglo XIX, pero su boda con Robert Schumann, con quien se casó enamorada, se convirtió en un tapón para su carrera artística, que empezó a los 9 años con conciertos multitudinarios y que apuntaba alto en el ámbito de la composición. Su marido, que se encerraba en casa para componer, la ayudó poco el trabajo doméstico y en el cuidado de los hijos -tuvieron ocho-, por lo que Clara cargó con todo, aunque tuvo la ayuda de dos asistentas. Cuando hacía giras -cada vez menos y más difíciles de organizar, porque no estaba bien visto que una mujer viajara sola-, su marido la acribillaba con cartas en las que le pedía que volviera, supuestamente herido de añoranza. Estas cartas tenían un efecto devastador en ella: “Antes pensaba que poseía talento creativo, pero he abandonado esta idea; una mujer no debe desear componer, nunca ha habido ninguna que fuera capaz de hacerlo. ¿Y se supone que voy a ser yo la que lo consiga? Sería de tal arrogancia creer algo así…”, escribió en su diario en 1839. Aun así compuso piezas magníficas, entre las que destaca Trío de piano. Op. 17, considerada una obra maestra.

“Mirar estas historias nos permite cuestionar lo que podrían haber sido si se les hubieran dado las mismas libertades creativas que a sus compañeros masculinos. Aunque las cosas obviamente han mejorado, todavía tenemos esta discusión sobre la división desigual del trabajo doméstico en la actualidad”. Muchas de ellas, además, no podían estudiar en las academias de Bellas Artes. Y, en el caso de ser admitidas, no podían dibujar cuerpos desnudos.


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La Real Academia de las Artes de Londres, fundada en 1768, no admitió a una estudiante hasta 1860. “A las mujeres se les prohibía el acceso a la formación más importante para cualquier artista: las clases de dibujo del natural. Resultaba impensable exponer a una mujer al desnudo masculino; la única forma en que tenían permitido entrar en una clase de dibujo del natural era ser ellas mismas la modelo desnuda”, explica McCabe en el libro.

Camille Claudel, que quedó ensombrecida por Rodin, en una foto de 1900

Camille Claudel, que quedó ensombrecida por Rodin, en una foto de 1900

Imágenes de Bridgeman

Camille Claudel

La sensualidad en el cincel

El caso de Camille Claudel enerva a McCabe. La escultora de El gran vales, una obra maestra del arte del cincel, fue rechazada por representar con demasiado erotismo la desnudez de unos cuerpos entrelazados: “Su trabajo fue criticado por ser demasiado sensual, cuando su capacidad para traducir esa sensualidad fue clave para su grandeza”, subraya McCabe, para Revista Estilo de vida. Lo que era un ejercicio de virtuosismo en una mujer joven se convertía a ojos de los varones del ramo en un exceso que traspasaba los límites puritanos. Claudel fue autora de esculturas extraordinarias, pero solo fue su maestro (y amante) Rodin quien reicibió las alabanzas de público y crítica. Y a pesar de ello, Claudel “posó para Rodin, pasando largas y extenuantes horas sobre un podio y sacrificando así el tiempo de que disponía para trabajar en sus propias esculturas”, explica McCabe. Cuando la relación fue conocida, solo Claudel pagó con el escarnio público. Su familia la repudió y esta situación, más la ausencia de valoración de su obra, la desestabilizó emocionalmente. Acabó su vida en un manicomio, donde permaneció internada a la fuerza durante treinta años, abandonada por su familia y por Rodin.

“Muchas de las principales escuelas de arte europeas, como la École des Beaux-Arts, no admitieron mujeres hasta finales del siglo XIX, lo que significaba que debían buscar una formación privada, algo que solo era realmente accesible para las mujeres de familias adineradas. Tenemos que preguntarnos cuántas mujeres artistas talentosas y florecientes nunca llegamos a ver, porque no eran ricas”, analiza McCabe.

Fue sorprendente ver cómo ver ciertos movimientos artísticos incluían mujeres y, tan pronto como ganaban notoriedad, se volvían cada vez menos visibles”

También fueron ensombrecidas por los liderazgos masculinos en movimientos artísticos como la Bauhaus o el surrealismo. “Fue sorprendente ver la frecuencia con la que ciertos movimientos artísticos como los antes citados incluían mujeres y, tan pronto como ganaban cierto nivel de notoriedad, sus contribuciones se volvían cada vez menos visibles. Es de nuevo, esa trampa de mirar el mundo a través de una lente misógina, otorgando más “autoridad” al trabajo creado por hombres”.

Los artistas estadounidenses casados ​​Margaret y Walter Keane (1915-2000) pintan juntos uno al lado del otro en su casa, 1965. (Foto de Bill Ray / The LIFE Picture Collection a través de Getty Images)

Margaret y Walter Kean en una foto de 1965. Walter se atribuyó como suya la obra de la que era autora su esposa, que trabajó sin descanso para que él triunfara

Bill Ray

Margaret Keane

Vivir con el marido vampiro

Clama al cielo el caso de Margaret Keane, que permitió que su marido triunfara y firmara los cuadros de figuras “de ojos grandes” que ella pintó durante decenios. Walter Keane siempre presumió de su obra, nunca tuvo unas palabras de elogio para su esposa, que “acabó aislándose, pintando bajo presión, aplastada por el peso de la culpa de su secreto compartido”. Cuantos más años pasaban, más atrapada se sentía Margaret, más difícil se le hacía destapar el secreto. Y a este desasosiego se le sumaban las exigencias de su pareja, que la presionaba para que aumentara la producción pictórica: “Walter alejó a los amigos de ella, de manera que pudiera obligarla a estar todo su tiempo dedicada a la pintura, agrandando el volumen creciente de obras supuestamente suyas. Le daría órdenes para que trabajase sobe diferentes temáticas. Si él salía, llamaba para asegurarse de que ella cumplía con su tarea”. La autora del libro pudo entrevistar en 2019 a Margaret, cuando tenía 92 años y al preguntarle por el momento en el que hizo público su situación, le confesó: “Llegué a darme cuenta de que no podía vivir así más tiempo y de que tenía que revelarlo para sobrevivir y tener algún tipo de dignidad. De otro modo, tampoco podía esperar que mi hija pudiera respetarme, por lo que no tenía alternativa”.

No las ayudó que fueran musas de sus parejas o modelos o sus amantes, porque estas situaciones las relegaron a un papel secundario. Y para rematarlo, “sus obras fueron vistas con frecuencia a través de esa lente misógina que, finalmente, dio más autoridad al trabajo de los hombres. Las obras de los hombres se vieron más, se discutieron más y así, a su vez, se elevaron en la mente de la gente”.

Destacan algunos casos en este libro, como el de Lil Hardin Armstrong –que encabeza la foto de este reportaje–, que lideró su propia banda de jazz, “que compuso algunos de los mejores álbumes de jazz que existen” y que fue la que animó a su segundo marido, Louis Armstrong, “a armarse de valor e intentar tener una carrera en solitario”. Fue su “fuerza motriz”, escribió muchos de sus temas más famosos –al final litigaron por la autoría de Sruttin’with Un poco de barbacoa– y vio cómo su nombre se empequeñecía, mientras el de su segundo marido se agrandaba: “No creía en sí mismo. Así que yo me quedaba abajo sujetando la escalera y viéndole subir”.

Alma Reville, junto al asistente de dirección Bernhard Goetzke, antes de casarse con Alfred Hitchcock en un set

Alma Reville, junto al asistente de dirección Bernhard Goetzke, antes de casarse con Alfred Hitchcock en un set

Everett Collection Inc / Alamy Foto de stock

Alma Reville, que poseía una carrera consolidada como guionista y editora cinematográfica, ayudó, aconsejó y promocionó al entonces desconocido Alfred Hitchcock. El libro está lleno de ejemplos en los que su participación mejoró los filmes del mago del suspense: su opinión fue fundamental para que se incorporara la música de violines chirriantes de Bernard Herrmann a las escenas de la ducha en Psicosis y le ayudó “en más de cincuenta producciones cinematográficas, ejerciendo de ayudante de dirección, guionista y continuista”. Es famosa la frase de Hitchcock cuando opinaba sobre un proyecto, guion o idea que le habían presentado: “A Alma le ha ecantado”.

La reputada artista Jo Nivison Hopper se desvivió para que las galerías se fijaran en un desconocido y poco valorado Edward Hopper. Años después, sus diarios descubrieron “a la artista frustrada que intenta encontrar un espacio para su pintura, llena de resentimiento y enfado hacia su marido insolidario”, que solo pensó en su obra.

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Katie McCabe no rehuyó en la entrevista para Revista Estilo de vida, hablar de la polémica sobre las acusaciones de maltrato que Picasso infligió a la artista Dora Maar cuando compartieron vida en común. Lo recordaba hace unos meses la protesta feminista que se realizó en el Museu Picasso, en Barcelona, acción que generó una polémica, que no es nueva, sobre si debía separarse la vida privada de la obra artística: “Para mí, el arte nunca puede separarse completamente de su contexto. No creo que nunca puedas separar el arte del artista. No sé mucho sobre la protesta reciente aparte de la información que he leído, pero creo que es positivo que la gente cuestione y debata la forma en que se presenta el arte en las galerías. Son para el público, después de todo, por lo que el público debe tener voz. Creo que, especialmente cuando se trata de Picasso, es muy importante reconocer la forma en que trató a las mujeres en su vida, ya que tiene una relevancia directa en algunas de sus pinturas. En todo caso, nos da una visión mejor y más honesta de su trabajo”.

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Estilo de vida

Lo más actual e interesante para tu salud, ocio y entretenimiento.

Una estimada guitarra eléctrica de la estrella de rock canadiense Randy Bachman fue robada hace cuatro décadas y media, pero volvió a las manos del músico gracias a un detective aficionado.

Se trata de una guitarra eléctrica Gretsch 6120 Chet Atkins color naranja fabricada en 1957. El instrumento del autor de la icónica canción Mujer americana fue robado de su habitación en un hotel en Toronto (Canadá) durante una gira de su banda en 1976.

Se trataba de la primera guitarra de calidad que había podido comprar y el robo nunca dejó de entristecer a Bachman, quien contó la historia del hurto en repetidas entrevistas a lo largo de los años.

“Una parte de mí se perdió”, dijo el músico de 78 años a CNN.
Jimi Hendrix, guitarrista y cantante estadounidense - Sputnik Mundo, 1920, 18.09.2020

Ya son 50 años sin Jimi Hendrix: las mejores ‘covers’ del virtuoso guitarrista

William Long, fan de El adivina quien, una de las bandas de la cual Bachman fue miembro, decidió buscar el instrumento después de ver al músico contar lo ocurrido en un video en YouTube.

El hombre realizó elaboradas búsquedas en internet para encontrar las fotos de todas las Gretsch naranja posibles. Luego, las comparó con las imágenes de Bachman con su instrumento antes de que fuera robado.

Según Long, la guitarra de Bachman tenía algunos patrones bastante característicos en su madera, los cuales logró hacer más nítidos a través de programas informáticos.

“Probablemente revisé unas 300 imágenes de unas Gretsch y me volví bastante bueno para poder verlas y saber de inmediato que no era la que buscaba”, compartió el detective aficionado con el medio.

El hombre logró finalmente ubicar el instrumento en Japón. Se encontraba en manos de Takeshi, un músico local quien la había comprado años antes en una tienda de guitarras antiguas en Tokio.

Inicialmente, Bachman no pudo creer que alguien había encontrado su guitarra después de tanto tiempo, pero al ver las imágenes enviadas por Long reconoció su instrumento instantáneamente.

Un tejón (imagen referencial) - Sputnik Mundo, 1920, 12.01.2021

El ‘mejor guitarrista del mundo’ lanza un perfume con aroma a tejón

“Veo al tipo tocando mi guitarra, MI guitarra, sé que es mía por el patrón [de la madera], me quedo aturdido. Es como si alguien me golpeara en la cara con una pala. Es simplemente increíble, porque he estado buscándola desde siempre y sencillamente desistí”, compartió Bachman.

El músico agregó que quienquiera que haya robado el instrumento en su momento lo cuidó muy bien, pues se veía igual que en 1976.

Bachman se puso en contacto con Takeshi y los dos músicos acordaron que el canadiense le dará una guitarra similar al japonés a cambio de su amada Gretsch 6120 Chet Atkins. El intercambio de instrumentos ocurrirá en un viaje del astro a Japón una vez que el país alivie las restricciones impuestas a raíz de la pandemia de COVID-19.

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Una estimada guitarra eléctrica de la estrella de rock canadiense Randy Bachman fue robada hace cuatro décadas y media, pero volvió a las manos del músico gracias a un detective aficionado.

Se trata de una guitarra eléctrica Gretsch 6120 Chet Atkins color naranja fabricada en 1957. El instrumento del autor de la icónica canción Mujer americana fue robado de su habitación en un hotel en Toronto (Canadá) durante una gira de su banda en 1976.

Se trataba de la primera guitarra de calidad que había podido comprar y el robo nunca dejó de entristecer a Bachman, quien contó la historia del hurto en repetidas entrevistas a lo largo de los años.

“Una parte de mí se perdió”, dijo el músico de 78 años a CNN.
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William Long, fan de El adivina quien, una de las bandas de la cual Bachman fue miembro, decidió buscar el instrumento después de ver al músico contar lo ocurrido en un video en YouTube.

El hombre realizó elaboradas búsquedas en internet para encontrar las fotos de todas las Gretsch naranja posibles. Luego, las comparó con las imágenes de Bachman con su instrumento antes de que fuera robado.

Según Long, la guitarra de Bachman tenía algunos patrones bastante característicos en su madera, los cuales logró hacer más nítidos a través de programas informáticos.

“Probablemente revisé unas 300 imágenes de unas Gretsch y me volví bastante bueno para poder verlas y saber de inmediato que no era la que buscaba”, compartió el detective aficionado con el medio.

El hombre logró finalmente ubicar el instrumento en Japón. Se encontraba en manos de Takeshi, un músico local quien la había comprado años antes en una tienda de guitarras antiguas en Tokio.

Inicialmente, Bachman no pudo creer que alguien había encontrado su guitarra después de tanto tiempo, pero al ver las imágenes enviadas por Long reconoció su instrumento instantáneamente.

Un tejón (imagen referencial) - Sputnik Mundo, 1920, 12.01.2021

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“Veo al tipo tocando mi guitarra, MI guitarra, sé que es mía por el patrón [de la madera], me quedo aturdido. Es como si alguien me golpeara en la cara con una pala. Es simplemente increíble, porque he estado buscándola desde siempre y sencillamente desistí”, compartió Bachman.

El músico agregó que quienquiera que haya robado el instrumento en su momento lo cuidó muy bien, pues se veía igual que en 1976.

Bachman se puso en contacto con Takeshi y los dos músicos acordaron que el canadiense le dará una guitarra similar al japonés a cambio de su amada Gretsch 6120 Chet Atkins. El intercambio de instrumentos ocurrirá en un viaje del astro a Japón una vez que el país alivie las restricciones impuestas a raíz de la pandemia de COVID-19.

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Durante el rodaje de la película ‘Paradise-Hawaiian Style’ en los estudios Paramount, Elvis Presley quiso conocer a Tom Jones. Aunque el artista de Gales apenas había empezado su carrera y solo tenía tres canciones publicadas, el ‘Rey del Rock’ las había escuchado y admiraba su voz. “¿Cómo demonios cantas así?” le preguntó en aquel primer encuentro. Ese día, 30 de Septiembre de 1965, se forjó una de las amistades más leales y auténticas entre dos estrellas de la música.

Cuando Tom Jones era adolescente, escuchaba música americana: Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Fats Domino… pero su principal ídolo era Elvis Presley. Arañaba cada penique que caía en sus manos para comprarse todo lo nuevo que el ‘rey’ lanzaba y lo escuchaba “en la privacidad de mi dormitorio”. De él aprendió hasta los movimientos de la parte inferior de su cuerpo, aunque “nunca me propuse copiarle”.

Tom empezó cantando versiones de Elvis por los pubs de Gales. “La gente allí me decía, ‘Guau, Tom, cantas tan bien como Elvis”, explicaba Jones en la revista People. “Y yo solía contestar ‘Bueno, se lo diré a él cuando le vea’. Yo tenía esta clarividencia de que iba a conocerle”. Por supuesto, nadie le creía.

“Elvis quiere conocerte”

A principios de 1965, su popularidad se había disparado gracias al enorme éxito de No es inusual. Algunos meses después, cuando viajó a Los Ángeles por primera vez, acababa de lanzar su tercer single, With these hands. Su visita a la ciudad californiana se debía a que tenía una reunión en los estudios Paramount “para hablar sobre una canción para una película”. Tom Jones lo recordaba en el show de Graham Norton de la BBC: “Me dijeron: ‘Elvis Presley va a estar allí mañana y quiere conocerte. Pensé ‘¿Elvis Presley quiere conocerme?’. ¡Era increíble!. Pensé, ¡Dios mío! no sabía que él supiera de mi existencia”.

Elvis y Priscilla Presley con Tom Jones en Las Vegas, el 7 de abril de 1968 / Imágenes de Bettmann / Getty

“Así que fuimos y me dijeron ‘Elvis está rodando y cuando pare, entras’. Cerraron las puertas y me quedé ahí de pie con la ‘Mafia de Memphis’ – la gente que trabajaba para él – detrás de mí. Elvis estaba ahí, en un simulacro de helicóptero, con una chica. Cuando dijeron ‘¡corten¡’ Elvis me saludó, pero yo estaba mirando a los tipos que había allí. Me dijeron ‘Elvis te está saludando ¡devuélvele el saludo!’. Entonces salió del helicóptero y empezó a caminar hacia mí… y de repente empezó a cantar Con estas manos, mi tercer single. Era como un sueño. ¡Elvis Presley estaba cantando mi canción y me la estaba cantando a mí!. Y pensé ‘¡Dios mío! Si los chicos de mi barrio me vieran ahora'”.

“¿Cómo demonios cantas así?”

Y a continuación, se produjo la primera conversación entre el Rey del Rock y el Tigre de Gales. Así la recordaba Jones en www.elvis.com.au: “Elvis me dijo ‘¿cómo demonios cantas así?’ y le respondí, ‘Bueno, tú eres en parte culpable porque he escuchado todos tus discos de los 50’s’. Él me preguntó ‘¿Eres de Gales?, ¿Toda la gente en Gales canta así?’. Le dije ‘Bueno, no exactamente. La gente de Gales tiene voz potente, de ahí viene mi fuerza, pero me influyó más la música americana que la música tradicional gala. Es una combinación'”.

“Porque ellos pensaban que era negro, La primera vez que escucharon mis discos en América, pensaban que era negro. Y Elvis Presley también. Me dijo ‘Cuando escuché ‘What’s new pussycat’ pensé que era un tipo negro cantando’. Lo extraño del caso es que fuera él quien lo dijera, porque cuando él empezó todo el mundo pensaba que era negro”.

Elvis y Tom se hicieron amigos ese mismo día. Y su amistad se mantuvo y se fue consolidando y estrechando año tras año. “Nuestra amistad se construyó en el respeto mutuo y en el interés común en la música. Nunca le besé los pies. Nunca le miré desde abajo, porque nos considerábamos iguales”. Trabajaron al mismo tiempo en Las Vegas muchas veces. Elvis siempre iba a ver los shows de Tom y Tom iba a ver los de Elvis.

Elvis cantando a Tom… en la ducha

Tom Jones ha compartido innumerables recuerdos de esos 12 años de camaradería con su amigo en la Ciudad del Pecado. Uno de ellos es especialmente singular. “Yo me alojaba en el Caesars Palace”, contaba en la revista People, “y él estaba en el Hilton, y alguien le envió una canción que pensaba que sería buena para mí, así que vino. Cuando salí del escenario, él estaba allí en mi habitación del hotel. Me dijo ‘Tom tengo esta canción, tío’. Y yo le dije ‘Vale Elvis, pero tengo que ducharme’. ¡Estaba sudando!”. Poco después de entrar en la ducha, escuchó a Elvis “cantándole”. “Pensé, ‘¡Dios mío, me estoy volviendo loco!. Puedo escuchar a Elvis cantando’. Así que abrí los ojos, y él estaba inclinado sobre la puerta cantando esa canción para mí. Dije ‘¡Jesucristo!’, y él respondió, ‘La canción, tío, la canción’… Así de unidos estábamos”

Cuando Jones le relató a Priscilla el episodio de la ducha, se quedó impactada: “Me dijo ‘No me puedo creer que Elvis haya estado en el cuarto de baño contigo al mismo tiempo. Jamás estuvo así conmigo’. Y le dije ‘Bueno, él estuvo conmigo, Priscilla, estuvo. Yo estaba desnudo y él estaba medio desnudo, porque había ido al inodoro y tuvo que subirse sus pantalones de cuero. Era cuero de North Beach, muy difícil de subir. En realidad, fue tan difícil que Presley tuvo que llamar a su guardaespaldas, Red, para que entrara en el cuarto de baño y le ayudara”.

“Red me miró y me dijo ‘Si le cuentas a alguien esto, no te creerán. Y le dije, ‘bueno, voy a contarlo’. Elvis era único, excepcional. Él era fantástico“.

“Amigos, si tenéis la oportunidad, id a verle”

Una de las veces que Tom fue a ver un show de Elvis, en Agosto de 1974, éste le hizo una gran presentación: “Hay ahí alguien entre el público que me gustaría que conocierais. Para mí… es mi cantante favorito. Es uno de los mejores intérpretes que he visto jamás y la mejor voz, Tom Jones. Él es demasiado. Tom, actúas en el Caesars Palace mañana por la noche ¿verdad?. Amigos, si tenéis la oportunidad, id a verle“.

De vez en cuando, Elvis aparecía por sorpresa en el escenario cuando Tom estaba cantando. Existen imágenes de Presley haciendo una demostración de kárate en un concierto de Jones.

Jerry Schilling, amigo de toda la vida del cantante de Tupelo corroboraba en la BBC que Tom Jones era uno de los amigos de más confianza y más queridos por Elvis hasta el fallecimiento de la estrella en 1977: “Elvis no solía juntarse mucho con otros artistas, siempre era muy cauto a la hora de permitir que la gente se le acercara. Pero si hay alguien a quien verdaderamente llamaba amigo y con el que pasaba el tiempo más que con ningún otro, era Sir Tom Jones“.

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Durante el rodaje de la película ‘Paradise-Hawaiian Style’ en los estudios Paramount, Elvis Presley quiso conocer a Tom Jones. Aunque el artista de Gales apenas había empezado su carrera y solo tenía tres canciones publicadas, el ‘Rey del Rock’ las había escuchado y admiraba su voz. “¿Cómo demonios cantas así?” le preguntó en aquel primer encuentro. Ese día, 30 de Septiembre de 1965, se forjó una de las amistades más leales y auténticas entre dos estrellas de la música.

Cuando Tom Jones era adolescente, escuchaba música americana: Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Fats Domino… pero su principal ídolo era Elvis Presley. Arañaba cada penique que caía en sus manos para comprarse todo lo nuevo que el ‘rey’ lanzaba y lo escuchaba “en la privacidad de mi dormitorio”. De él aprendió hasta los movimientos de la parte inferior de su cuerpo, aunque “nunca me propuse copiarle”.

Tom empezó cantando versiones de Elvis por los pubs de Gales. “La gente allí me decía, ‘Guau, Tom, cantas tan bien como Elvis”, explicaba Jones en la revista People. “Y yo solía contestar ‘Bueno, se lo diré a él cuando le vea’. Yo tenía esta clarividencia de que iba a conocerle”. Por supuesto, nadie le creía.

“Elvis quiere conocerte”

A principios de 1965, su popularidad se había disparado gracias al enorme éxito de No es inusual. Algunos meses después, cuando viajó a Los Ángeles por primera vez, acababa de lanzar su tercer single, With these hands. Su visita a la ciudad californiana se debía a que tenía una reunión en los estudios Paramount “para hablar sobre una canción para una película”. Tom Jones lo recordaba en el show de Graham Norton de la BBC: “Me dijeron: ‘Elvis Presley va a estar allí mañana y quiere conocerte. Pensé ‘¿Elvis Presley quiere conocerme?’. ¡Era increíble!. Pensé, ¡Dios mío! no sabía que él supiera de mi existencia”.

Elvis y Priscilla Presley con Tom Jones en Las Vegas, el 7 de abril de 1968 / Imágenes de Bettmann / Getty

“Así que fuimos y me dijeron ‘Elvis está rodando y cuando pare, entras’. Cerraron las puertas y me quedé ahí de pie con la ‘Mafia de Memphis’ – la gente que trabajaba para él – detrás de mí. Elvis estaba ahí, en un simulacro de helicóptero, con una chica. Cuando dijeron ‘¡corten¡’ Elvis me saludó, pero yo estaba mirando a los tipos que había allí. Me dijeron ‘Elvis te está saludando ¡devuélvele el saludo!’. Entonces salió del helicóptero y empezó a caminar hacia mí… y de repente empezó a cantar Con estas manos, mi tercer single. Era como un sueño. ¡Elvis Presley estaba cantando mi canción y me la estaba cantando a mí!. Y pensé ‘¡Dios mío! Si los chicos de mi barrio me vieran ahora'”.

“¿Cómo demonios cantas así?”

Y a continuación, se produjo la primera conversación entre el Rey del Rock y el Tigre de Gales. Así la recordaba Jones en www.elvis.com.au: “Elvis me dijo ‘¿cómo demonios cantas así?’ y le respondí, ‘Bueno, tú eres en parte culpable porque he escuchado todos tus discos de los 50’s’. Él me preguntó ‘¿Eres de Gales?, ¿Toda la gente en Gales canta así?’. Le dije ‘Bueno, no exactamente. La gente de Gales tiene voz potente, de ahí viene mi fuerza, pero me influyó más la música americana que la música tradicional gala. Es una combinación'”.

“Porque ellos pensaban que era negro, La primera vez que escucharon mis discos en América, pensaban que era negro. Y Elvis Presley también. Me dijo ‘Cuando escuché ‘What’s new pussycat’ pensé que era un tipo negro cantando’. Lo extraño del caso es que fuera él quien lo dijera, porque cuando él empezó todo el mundo pensaba que era negro”.

Elvis y Tom se hicieron amigos ese mismo día. Y su amistad se mantuvo y se fue consolidando y estrechando año tras año. “Nuestra amistad se construyó en el respeto mutuo y en el interés común en la música. Nunca le besé los pies. Nunca le miré desde abajo, porque nos considerábamos iguales”. Trabajaron al mismo tiempo en Las Vegas muchas veces. Elvis siempre iba a ver los shows de Tom y Tom iba a ver los de Elvis.

Elvis cantando a Tom… en la ducha

Tom Jones ha compartido innumerables recuerdos de esos 12 años de camaradería con su amigo en la Ciudad del Pecado. Uno de ellos es especialmente singular. “Yo me alojaba en el Caesars Palace”, contaba en la revista People, “y él estaba en el Hilton, y alguien le envió una canción que pensaba que sería buena para mí, así que vino. Cuando salí del escenario, él estaba allí en mi habitación del hotel. Me dijo ‘Tom tengo esta canción, tío’. Y yo le dije ‘Vale Elvis, pero tengo que ducharme’. ¡Estaba sudando!”. Poco después de entrar en la ducha, escuchó a Elvis “cantándole”. “Pensé, ‘¡Dios mío, me estoy volviendo loco!. Puedo escuchar a Elvis cantando’. Así que abrí los ojos, y él estaba inclinado sobre la puerta cantando esa canción para mí. Dije ‘¡Jesucristo!’, y él respondió, ‘La canción, tío, la canción’… Así de unidos estábamos”

Cuando Jones le relató a Priscilla el episodio de la ducha, se quedó impactada: “Me dijo ‘No me puedo creer que Elvis haya estado en el cuarto de baño contigo al mismo tiempo. Jamás estuvo así conmigo’. Y le dije ‘Bueno, él estuvo conmigo, Priscilla, estuvo. Yo estaba desnudo y él estaba medio desnudo, porque había ido al inodoro y tuvo que subirse sus pantalones de cuero. Era cuero de North Beach, muy difícil de subir. En realidad, fue tan difícil que Presley tuvo que llamar a su guardaespaldas, Red, para que entrara en el cuarto de baño y le ayudara”.

“Red me miró y me dijo ‘Si le cuentas a alguien esto, no te creerán. Y le dije, ‘bueno, voy a contarlo’. Elvis era único, excepcional. Él era fantástico“.

“Amigos, si tenéis la oportunidad, id a verle”

Una de las veces que Tom fue a ver un show de Elvis, en Agosto de 1974, éste le hizo una gran presentación: “Hay ahí alguien entre el público que me gustaría que conocierais. Para mí… es mi cantante favorito. Es uno de los mejores intérpretes que he visto jamás y la mejor voz, Tom Jones. Él es demasiado. Tom, actúas en el Caesars Palace mañana por la noche ¿verdad?. Amigos, si tenéis la oportunidad, id a verle“.

De vez en cuando, Elvis aparecía por sorpresa en el escenario cuando Tom estaba cantando. Existen imágenes de Presley haciendo una demostración de kárate en un concierto de Jones.

Jerry Schilling, amigo de toda la vida del cantante de Tupelo corroboraba en la BBC que Tom Jones era uno de los amigos de más confianza y más queridos por Elvis hasta el fallecimiento de la estrella en 1977: “Elvis no solía juntarse mucho con otros artistas, siempre era muy cauto a la hora de permitir que la gente se le acercara. Pero si hay alguien a quien verdaderamente llamaba amigo y con el que pasaba el tiempo más que con ningún otro, era Sir Tom Jones“.

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El músico irlandés Paddy Moloney, líder y fundador del grupo de folk Los jefes, ha fallecido en Dublín a los 83 años de edad, ha informado su familia.

El legendario artista, ganador de seis premios Grammy con The Chieftains y gran maestro de los instrumentos de viento, como la gaita gaélica o la flauta irlandesa, estaba casado y tenía tres hijos.

Junto con ‘The Dubliners’ y ‘The Pogues’, ‘The Chieftains’ es la banda de folk irlandés más conocida en el mundo

También destacó con el acordeón y como percusionista con el “bodhrán”, así como compositor de temas de Los jefes para las bandas sonoras de varias películas, entre otras Corazón Valiente, Bandas de Nueva York y Barry Lyndon.

Nacido en el norte de Dublín, en el seno de una familia de músicos, comenzó desde muy joven a formar diferentes grupos, con la intención de acometer una evolución del tradicional folk irlandés.


Lee también

Astrid Meseguer

Dio con la nota definitiva en noviembre de 1962 al formar, en su propia casa, El caciques, originalmente con Seán Potts (flauta irlandesa), Michael Tubridy (flauta irlandesa) y Seán Keane (violín). Después de varios cambios, la banda se consolidó en 1979 con Keane, Kevin Conneff (“bodhrán” -tambor irlandés- y voz) y Matt Molloy (flautas).

Junto con Los dublineses y The Pogues, The Chieftains es la banda de folk irlandés más conocida en el mundo, después de haber colaborado en decenas de discos con artistas como los españoles Kepa Junquera y Carlos Núñez o con otros tan variopintos como Mark Knopfler, Elvis Costello, Sting, Willie Nelson o Madonna.

Por el momento, no ha trascendido la causa de su fallecimiento

Hasta los británicos Los Rolling Stones se animaron a tocar un par de temas, El camino rocoso a Dublín y Jumpin ‘Jack Flash, en el álbum de El velo negro largo de los jefes (1995). En 2018, la embajada de España en Irlanda otorgó a Moloney la Encomienda de la Orden del Mérito Civil.

Con este galardón, concedido por el rey Felipe VI a petición del Gobierno español, se le reconoció la “labor inestimable” desarrollada “por todo el mundo” para promocionar “la música celta y tradicional”, según destacó la embajada en un comunicado.

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Junto con ‘The Dubliners’ y ‘The Pogues’, ‘The Chieftains’ es la banda de folk irlandés más conocida en el mundo

También destacó con el acordeón y como percusionista con el “bodhrán”, así como compositor de temas de Los jefes para las bandas sonoras de varias películas, entre otras Corazón Valiente, Bandas de Nueva York y Barry Lyndon.

Nacido en el norte de Dublín, en el seno de una familia de músicos, comenzó desde muy joven a formar diferentes grupos, con la intención de acometer una evolución del tradicional folk irlandés.


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Astrid Meseguer

Dio con la nota definitiva en noviembre de 1962 al formar, en su propia casa, El caciques, originalmente con Seán Potts (flauta irlandesa), Michael Tubridy (flauta irlandesa) y Seán Keane (violín). Después de varios cambios, la banda se consolidó en 1979 con Keane, Kevin Conneff (“bodhrán” -tambor irlandés- y voz) y Matt Molloy (flautas).

Junto con Los dublineses y The Pogues, The Chieftains es la banda de folk irlandés más conocida en el mundo, después de haber colaborado en decenas de discos con artistas como los españoles Kepa Junquera y Carlos Núñez o con otros tan variopintos como Mark Knopfler, Elvis Costello, Sting, Willie Nelson o Madonna.

Por el momento, no ha trascendido la causa de su fallecimiento

Hasta los británicos Los Rolling Stones se animaron a tocar un par de temas, El camino rocoso a Dublín y Jumpin ‘Jack Flash, en el álbum de El velo negro largo de los jefes (1995). En 2018, la embajada de España en Irlanda otorgó a Moloney la Encomienda de la Orden del Mérito Civil.

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Nuestra hermosa invitada hoy en Cvltvral es una virtuosa cantante, profesora de canto y empedernida melómana que disfruta de la música cada segundo de su vida. Desde muy pequeña ha tenido positivas influencias musicales ya que su madre escuchaba a grandes cantantes femeninas como Whitney (Houston) o la eterna Tina Turner. Por otro lado, su padre, de origen inglés, a bandas no menos importantes como Pink Floyd o Supertramp, logrando despertar un verdadero amor por la música en diferentes géneros. Laura tiene en su haber una carrera exitosa y es una de las vocalistas más reconocidas del medio. En esta exclusiva, que se ha hecho esperar un poco, conocemos más de esta talentosa de la música… sean todos bienvenidos al show.

¿Quién es Laura Ede?
Es cantante, compositora, profesora de canto, psicóloga; a veces chef y por siempre melómana y amante de la filosofía. Según mi signo, Géminis (elemento de aire), soy muy extrovertida y social, lo cual no niego. Por otro lado, me aburro fácilmente, por lo que tiendo a cambiar de actividad seguido. Por ende, tengo muchos proyectos. Lo bueno es que con los años me di cuenta que mi falta de concentración puede ser utilizada a mi favor, de manera que puedo rotar entre actividades, onda, multitasking y volver a retomarlas con mas motivación. Y hablando de motivación, de vez en mes me saturo de mi experiencia y me consume una depresión que me obliga a removerme de mi naturaleza social y refugiarme en el confort de mi hogar, mi música, mis libros y mis series. Estos momentos son cruciales para mi equilibrio y característicos de mi dualidad. Todo lo que sube tiene bajar. Y viceversa. De aquí salen la melancolía y la inspiración para crear más, sentir más y cantar más. De estos huecos salgo renovada, con una nueva llave para abrir las puertas que fueron un obstáculo en mi último ciclo y con más herramientas para romper los patrones que me llevaron a mi último bajón. Lo bueno es que la distancia entre los altibajos cada vez es menos. Pero conociéndome, en cuanto alcance la estabilidad encontraré la forma de generar caos. Pues ese es mi equilibrio y, aunque no lo crean, también es el equilibrio del universo. Les dejo un poema que escribí hace un tiempo, ahí podrán encontrar mi esencia dual, de elemento aire, ligero como el viento.
¿Cómo llegó la música a tu vida?
Creo que mis padres siempre han escuchado buena música. Mi mami cantaba y era bien afinada. Ella me hacia escuchar a Tina Turner y a Whitney Houston. Mientras que mi papi me contaba sobre los conciertos de Pink Floyd y Supertramp a los que asistió en su adolescencia en Inglaterra (ah sí, mi padre es inglés). En fin, mi madre se dio cuenta que cantaba ya desde los tres años, entonces me reforzaba haciéndome cantar frente a sus amigas en los tecitos. Y a mí no me molestaba, porque me encantaba ser el centro de atención. Honestamente, no hay una época de mi vida en la que no he cantado. La música esta en mi ADN y en cada plano y faceta de mi vida.

¿Qué intérprete o grupo fue el primero en hacerte ver la música de forma diferente?
Hay varios artistas y bandas que marcaron etapas de mi entendimiento musical. Puedo decir que como a muchos, Pink Floyd me voló la cabeza en la adolescencia, Whitney Houston, Mariah Carey, Christina Aguilera y mas de esas divas marcaron mi niñez y aun me influyen. En los últimos años con el surgimiento de la fusión de muchos estilos, las producciones ya no son lo mismo que antes. Son toda una parafernalia de estilos, dinámicas e instrumentos. Una que me marcó en los últimos años fue Hiatus Kaiyote y aún me sigue sorprendiendo. Las personas entendidas que me leen sabrán qué otros artistas entran en la categoría de esta bandaza.

Te hemos visto hacer colaboraciones como, por ejemplo, en el nuevo disco de Ra Beat ¿Es algo que disfrutas a pleno?
La música electrónica me encanta, o sea que el proyecto con Ra Beat fue algo que disfruté muchísimo. Con Ra Beat tuve la oportunidad de componer la letra y melodía de varias canciones. Además de que nos fuimos de gira por varios departamentos de Bolivia; formé una linda amistad con los integrantes, Conejo y Paco.

Has estado en un sinfín de presentaciones a lo largo de tu carrera ¿Alguna ha marcado un reto profesional para ti por algún motivo determinado?
Mi primera banda Toxic fue una de las más importantes para mí porque me ayudó a lanzarme como vocalista y a desenvolverme en escenario. Más allá de que tuve el honor de compartir escenario durante dos años con músicos paceños, viejos lobos de mar (no por viejos sino por capos); teníamos un repertorio de mas de 200 temas; tocábamos casi cada fin de semana y puedo decir que éramos una rock-olla andante. Además que gracias a mi banda, conocí a mas músicos allegados y fui invitada a presentaciones cada vez más grandes, como el homenaje a Pink Floyd con la orquesta sinfónica, que fue una experiencia grandiosa.
Otra que me marcó de manera significativa fue la Big Band de jazz, dirigida por Juan Andrés Palacios – Rodolfo Laruta y la Sonora Final de los Andes de la cual formé parte durante dos años como cantante soprano. Creo que fue una de las experiencias que terminó de asentar mi amor por el jazz, además de que pude entrenarme musicalmente en el contexto de un ensamble muy técnico, donde resaltaba la precisión, el engranaje armónico y la disciplina.

¿Cuánto ponderas y has podido avanzar de tu carrera en solitario?
Lo he ponderado por mucho tiempo, pero siento que es en este ultimo año, gracias a haberme mudado a Santa Cruz y a la pandemia, he podido trabajar en mí misma y en mis proyectos como solista. Debo decir que me queda mucho por avanzar, sin embargo estoy muy feliz con el camino que me estoy trazando y los trabajos que tengo en el horno porque sé que muy pronto todos los pasos que estoy tomando comenzarán a echar sus frutos.

¿Tienes composiciones propias?
Nadie lo sabe pero tengo varias. Aunque muy pocas han salido a la luz. Entre las últimas está “Duality”, el último corte del álbum de “Ra Beat”. Es una composición de melodía y letra propia y estuve esperando con ansias a que finalmente saliera. “La Inquietud” es otra de mis bebés; es una canción estilo acústico pop latino. La presenté en un concierto como parte de las sesiones del “Tímpano Íntimo” el 2019 en el Centro Simón I. Patiño de Santa Cruz. Esta canción fue especialmente dedicada a mi mamá, que falleció un mes después del concierto. En el proyecto con “Ra Beat”, también pueden escuchar composiciones previas. Se llaman “Tension” y “Aire”, ambas las pueden encontrar en Spotify o Youtube. Aparte, tengo muchas desempolvándose, pero muy pronto podrán escuchar mis elecciones.

¿De qué te gusta hablar en tu música?
Creo que sobre todo trato de reflejar por lo que estoy pasando en el momento. “Tension” (en inglés) habla de un momento oscuro en mi vida, con mucho estrés y rechazo a la falsedad de la sociedad que me rodeaba. “Duality” es una canción de desamor y “La inquietud” habla sobre una pérdida anticipada.

¿Qué proyectos tienes para lo que queda de 2021?
¡Muchos! Actualmente estoy en el proceso de grabar mi primer disco solista. Recientemente saqué un videoclip de un cover de Hozier, “Take me to Church”, grabado a capela y cinco voces, es decir, completamente orgánico y sin ningún instrumento. Muy pronto sale el primer sencillo del álbum junto con su videoclip y con el moméntum, salen los demás. Actualmente, estoy dando una gira de conciertos entre Santa Cruz y La Paz, la cual comenzó en septiembre y termina a finales de noviembre. Se llama “Laura Ede: Spring Music Tour” y bueno, porque creo que suena bien y estoy viviendo una gran primavera. Sobre eso, estoy planeando muchas sorpresas que pronto saldrán a la luz.

Si yo fuese estable como una roca
Y no volátil como una nube,
Perdería todos mis colores,
Me volvería opaca y dejaría de vibrar.
Dejaría de pensar,
Pues mis ideas se irían con el viento
Y dejaría de cantar,
Pues con ellas también se iría mi
sufrimiento.
Viviría en la no existencia,
En el silencio de lo estático,
En la contemplación del vacío,
En la serenidad de lo eterno.

Pero no soy eso aún.
No soy una roca. Aún.
Aun encuentro armonía en el caos.
Mi equilibrio está en el movimiento.
Yo soy la erosión en las piedras,
Soy la quimera que ves en el firmamento,
Soy la innombrable que se desliza entre tus
palabras.
Soy la incomodidad,
Soy el cambio,
Soy el crecimiento.
No se exactamente lo que soy,
Pero soy.

Lista de Verificación:

3 libros que más te influyen:
– “La Insoportable levedad del ser” de Milan Kundera
– “La casa de los espiritus” de Isabel Allende
– Una realidad separada de Carlos Castanheda
3 películas infaltables:
– Inflable en Halloween: Pesadilla antes de Navidad.
– Infaltable en Navidad: El Señor de los anillos (la trilogía)
– Infaltable en esos días del mes: El diario de la idiota de Bridget Jones o The Notebook, para llorar un amor que nunca tendrás

3 músicos que más admires:
– Erykah Badu
– Jacob Collier
– Pequeño dragón

3 cosas esenciales en la vida:
– La música, la introspección y
el sentido del humor

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Nuestra hermosa invitada hoy en Cvltvral es una virtuosa cantante, profesora de canto y empedernida melómana que disfruta de la música cada segundo de su vida. Desde muy pequeña ha tenido positivas influencias musicales ya que su madre escuchaba a grandes cantantes femeninas como Whitney (Houston) o la eterna Tina Turner. Por otro lado, su padre, de origen inglés, a bandas no menos importantes como Pink Floyd o Supertramp, logrando despertar un verdadero amor por la música en diferentes géneros. Laura tiene en su haber una carrera exitosa y es una de las vocalistas más reconocidas del medio. En esta exclusiva, que se ha hecho esperar un poco, conocemos más de esta talentosa de la música… sean todos bienvenidos al show.

¿Quién es Laura Ede?
Es cantante, compositora, profesora de canto, psicóloga; a veces chef y por siempre melómana y amante de la filosofía. Según mi signo, Géminis (elemento de aire), soy muy extrovertida y social, lo cual no niego. Por otro lado, me aburro fácilmente, por lo que tiendo a cambiar de actividad seguido. Por ende, tengo muchos proyectos. Lo bueno es que con los años me di cuenta que mi falta de concentración puede ser utilizada a mi favor, de manera que puedo rotar entre actividades, onda, multitasking y volver a retomarlas con mas motivación. Y hablando de motivación, de vez en mes me saturo de mi experiencia y me consume una depresión que me obliga a removerme de mi naturaleza social y refugiarme en el confort de mi hogar, mi música, mis libros y mis series. Estos momentos son cruciales para mi equilibrio y característicos de mi dualidad. Todo lo que sube tiene bajar. Y viceversa. De aquí salen la melancolía y la inspiración para crear más, sentir más y cantar más. De estos huecos salgo renovada, con una nueva llave para abrir las puertas que fueron un obstáculo en mi último ciclo y con más herramientas para romper los patrones que me llevaron a mi último bajón. Lo bueno es que la distancia entre los altibajos cada vez es menos. Pero conociéndome, en cuanto alcance la estabilidad encontraré la forma de generar caos. Pues ese es mi equilibrio y, aunque no lo crean, también es el equilibrio del universo. Les dejo un poema que escribí hace un tiempo, ahí podrán encontrar mi esencia dual, de elemento aire, ligero como el viento.
¿Cómo llegó la música a tu vida?
Creo que mis padres siempre han escuchado buena música. Mi mami cantaba y era bien afinada. Ella me hacia escuchar a Tina Turner y a Whitney Houston. Mientras que mi papi me contaba sobre los conciertos de Pink Floyd y Supertramp a los que asistió en su adolescencia en Inglaterra (ah sí, mi padre es inglés). En fin, mi madre se dio cuenta que cantaba ya desde los tres años, entonces me reforzaba haciéndome cantar frente a sus amigas en los tecitos. Y a mí no me molestaba, porque me encantaba ser el centro de atención. Honestamente, no hay una época de mi vida en la que no he cantado. La música esta en mi ADN y en cada plano y faceta de mi vida.

¿Qué intérprete o grupo fue el primero en hacerte ver la música de forma diferente?
Hay varios artistas y bandas que marcaron etapas de mi entendimiento musical. Puedo decir que como a muchos, Pink Floyd me voló la cabeza en la adolescencia, Whitney Houston, Mariah Carey, Christina Aguilera y mas de esas divas marcaron mi niñez y aun me influyen. En los últimos años con el surgimiento de la fusión de muchos estilos, las producciones ya no son lo mismo que antes. Son toda una parafernalia de estilos, dinámicas e instrumentos. Una que me marcó en los últimos años fue Hiatus Kaiyote y aún me sigue sorprendiendo. Las personas entendidas que me leen sabrán qué otros artistas entran en la categoría de esta bandaza.

Te hemos visto hacer colaboraciones como, por ejemplo, en el nuevo disco de Ra Beat ¿Es algo que disfrutas a pleno?
La música electrónica me encanta, o sea que el proyecto con Ra Beat fue algo que disfruté muchísimo. Con Ra Beat tuve la oportunidad de componer la letra y melodía de varias canciones. Además de que nos fuimos de gira por varios departamentos de Bolivia; formé una linda amistad con los integrantes, Conejo y Paco.

Has estado en un sinfín de presentaciones a lo largo de tu carrera ¿Alguna ha marcado un reto profesional para ti por algún motivo determinado?
Mi primera banda Toxic fue una de las más importantes para mí porque me ayudó a lanzarme como vocalista y a desenvolverme en escenario. Más allá de que tuve el honor de compartir escenario durante dos años con músicos paceños, viejos lobos de mar (no por viejos sino por capos); teníamos un repertorio de mas de 200 temas; tocábamos casi cada fin de semana y puedo decir que éramos una rock-olla andante. Además que gracias a mi banda, conocí a mas músicos allegados y fui invitada a presentaciones cada vez más grandes, como el homenaje a Pink Floyd con la orquesta sinfónica, que fue una experiencia grandiosa.
Otra que me marcó de manera significativa fue la Big Band de jazz, dirigida por Juan Andrés Palacios – Rodolfo Laruta y la Sonora Final de los Andes de la cual formé parte durante dos años como cantante soprano. Creo que fue una de las experiencias que terminó de asentar mi amor por el jazz, además de que pude entrenarme musicalmente en el contexto de un ensamble muy técnico, donde resaltaba la precisión, el engranaje armónico y la disciplina.

¿Cuánto ponderas y has podido avanzar de tu carrera en solitario?
Lo he ponderado por mucho tiempo, pero siento que es en este ultimo año, gracias a haberme mudado a Santa Cruz y a la pandemia, he podido trabajar en mí misma y en mis proyectos como solista. Debo decir que me queda mucho por avanzar, sin embargo estoy muy feliz con el camino que me estoy trazando y los trabajos que tengo en el horno porque sé que muy pronto todos los pasos que estoy tomando comenzarán a echar sus frutos.

¿Tienes composiciones propias?
Nadie lo sabe pero tengo varias. Aunque muy pocas han salido a la luz. Entre las últimas está “Duality”, el último corte del álbum de “Ra Beat”. Es una composición de melodía y letra propia y estuve esperando con ansias a que finalmente saliera. “La Inquietud” es otra de mis bebés; es una canción estilo acústico pop latino. La presenté en un concierto como parte de las sesiones del “Tímpano Íntimo” el 2019 en el Centro Simón I. Patiño de Santa Cruz. Esta canción fue especialmente dedicada a mi mamá, que falleció un mes después del concierto. En el proyecto con “Ra Beat”, también pueden escuchar composiciones previas. Se llaman “Tension” y “Aire”, ambas las pueden encontrar en Spotify o Youtube. Aparte, tengo muchas desempolvándose, pero muy pronto podrán escuchar mis elecciones.

¿De qué te gusta hablar en tu música?
Creo que sobre todo trato de reflejar por lo que estoy pasando en el momento. “Tension” (en inglés) habla de un momento oscuro en mi vida, con mucho estrés y rechazo a la falsedad de la sociedad que me rodeaba. “Duality” es una canción de desamor y “La inquietud” habla sobre una pérdida anticipada.

¿Qué proyectos tienes para lo que queda de 2021?
¡Muchos! Actualmente estoy en el proceso de grabar mi primer disco solista. Recientemente saqué un videoclip de un cover de Hozier, “Take me to Church”, grabado a capela y cinco voces, es decir, completamente orgánico y sin ningún instrumento. Muy pronto sale el primer sencillo del álbum junto con su videoclip y con el moméntum, salen los demás. Actualmente, estoy dando una gira de conciertos entre Santa Cruz y La Paz, la cual comenzó en septiembre y termina a finales de noviembre. Se llama “Laura Ede: Spring Music Tour” y bueno, porque creo que suena bien y estoy viviendo una gran primavera. Sobre eso, estoy planeando muchas sorpresas que pronto saldrán a la luz.

Si yo fuese estable como una roca
Y no volátil como una nube,
Perdería todos mis colores,
Me volvería opaca y dejaría de vibrar.
Dejaría de pensar,
Pues mis ideas se irían con el viento
Y dejaría de cantar,
Pues con ellas también se iría mi
sufrimiento.
Viviría en la no existencia,
En el silencio de lo estático,
En la contemplación del vacío,
En la serenidad de lo eterno.

Pero no soy eso aún.
No soy una roca. Aún.
Aun encuentro armonía en el caos.
Mi equilibrio está en el movimiento.
Yo soy la erosión en las piedras,
Soy la quimera que ves en el firmamento,
Soy la innombrable que se desliza entre tus
palabras.
Soy la incomodidad,
Soy el cambio,
Soy el crecimiento.
No se exactamente lo que soy,
Pero soy.

Lista de Verificación:

3 libros que más te influyen:
– “La Insoportable levedad del ser” de Milan Kundera
– “La casa de los espiritus” de Isabel Allende
– Una realidad separada de Carlos Castanheda
3 películas infaltables:
– Inflable en Halloween: Pesadilla antes de Navidad.
– Infaltable en Navidad: El Señor de los anillos (la trilogía)
– Infaltable en esos días del mes: El diario de la idiota de Bridget Jones o The Notebook, para llorar un amor que nunca tendrás

3 músicos que más admires:
– Erykah Badu
– Jacob Collier
– Pequeño dragón

3 cosas esenciales en la vida:
– La música, la introspección y
el sentido del humor

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Miami, (EFE).- Los Rolling Stones cerrarán su No Filter Tour el próximo 23 de noviembre con un concierto en el recinto Hard Rock Live, en Hollywood, sur de Florida, anunció la banda.

Los británicos ya han ofrecido cuatro conciertos en la que es la segunda etapa de su ruta estadounidense, luego de que la primera efectuada en 2019 debiera suspenderse a causa de la pandemia de la covid-19.

Las entradas para el recital que ofrecerán en el recinto del Seminole Hard Rock Hotel y Casino, con capacidad para unas 7.000 butacas, se pondrán a la venta a partir del 18 de octubre, informó la agrupación en su cuenta oficial de Twitter.

De esta forma, las leyendas del rock no culminan el No Filter Tour en un estadio o coliseo, como son los escenarios en los que usalmente actúan, y mas bien lo hacen en un recinto más pequeño y a pesar de tener cerca el Hard Rock Stadium.

La gira estadounidense iniciada en St. Louis (Misuri) el pasado 26 de septiembre es la primera que el grupo hace sin su baterista durante casi 60 años Charlie Watts, fallecido el pasado 24 de agosto.

Los veteranos rockeros se mantienen activos y el próximo 22 de octubre publicarán una reedición de su mítico álbum “Tattoo You” (1981), el que para muchos críticos fue su última gran obra y que en su nueva versión contendrá los 11 temas originales más 9 canciones inéditas.

Entre estas últimas figura “Troubles A’ Comin”, publicada en septiembre y originalmente grabada por los Stones en París en 1972.

La canción es “una pegadiza y multifacética” versión del original de The Chi-Lites, destacó la discográfica Universal Music.

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Un ritual y un encuentro social. Un lugar de atmósfera única y vibrante. Una forma de forjar una identidad y de tejer una red, además de una de las industrias de mayor crecimiento en las últimas décadas, generadora de empleos y la principal fuente de ingresos para los músicos.

Son algunas de las definiciones que las periodistas Claudia Montecinos (Santiago, 1992) y Javiera Calderón (Santiago, 1990) entregan en las páginas de Arriba del escenario: la historia de los megaconciertos en Chile, una completa investigación que repasa tres décadas de grandes eventos musicales en el país, desde las recordadas visitas de Rod Stewart, Cyndi Lauper, Bon Jovi y Silvio Rodríguez, en el salto de los 80 a la década del 90, hasta la era de los grandes festivales modernos hechos en Chile.

Editado por Ril, el volumen, ya disponible en librerías y servicios de despacho, se presenta como un exhaustivo análisis de una industria que florece y surge -como la conocemos hoy- con el retorno a la democracia, para expandirse y profesionalizarse en el nuevo siglo a punta de experiencia, vínculos internacionales y no sin tropiezos en el camino. Un libro que, paradójicamente, sale a la luz justo cuando la actividad en vivo atraviesa por su peor momento a raíz de la pandemia, en el mundo y en Chile -con el recital de The Offspring en el Movistar Arena de marzo 2020 como último hito-, dejando una interrogante y la obligación de sortear nuevos desafíos en el futuro inmediato

“Es extraño y para nosotras era medio desmotivante pensar que estábamos hablando algo que ya no está, describiendo una industria que luego de la pandemia iba a ser completamente distinta”, comenta Montecinos.

“Pero a partir de los comentarios que hemos recibido, creo que no puede haber mejor momento, porque hay un anhelo, una necesidad y una expectativa para que vuelvan pronto los conciertos”, agrega la autora, que nació precisamente en los días en que los escenarios y estadios chilenos comenzaban a recibir visitas ilustres desde el extranjero de manera más sistemática, tras 17 años de dictadura que retrasaron en parte la conversión chilena en plaza estable de las grandes giras internacionales.

Madonna debutó en 2008 en el Estadio Nacional.
Segundo dÌa de recital de Los Prisioneros en el Estadio nacional de Chile. El grupo ofreciÛ sÛlo 2 conciertos en su regreso a los escenarios, con asistencias de 70.000 personas por dÌa. 01/12/2001. Foto: JORGE SANCHEZ

Si bien el trabajo se concentra en todo lo ocurrido desde que Stewart encandiló con Piernas calientes (“una canción que habla sobre unas piernas sin rostro ni corazón”, recalcan las autoras) al medio local y a 80 mil asistentes sedientos de este tipo de experiencias, las investigadores no desconocen los hitos pioneros que cimentaron estas instancias de fanatismo y masividad; desde la visita del mexicano Jorge Negrete en 1946 (“recibido por casi 3 mil personas en su llegada a la Estación Mapocho, algo inédito para la época”), hasta los esfuerzos personales de “productores de variedades” criollos para traer a leyendas como Paul Anka y Bill Haley a mediados del siglo XX, sumado a la actividad en dictadura, repartida entre shows de rockeros argentinos y leyendas del jazz hasta la movida subterránea del punk y el Canto Nuevo en recintos como el Garage Matucana y el Café del Cerro.

Pero es en la transición a la democracia hacia fines del siglo XX que la cultura de los megaeventos se comienza a instalar definitivamente en el país. “Argentina y Brasil ya eran grandes plazas, pero en general hay un destape tras el fin de las dictaduras en varios países. Imagino que una vez terminada la pandemia podría pasar algo similar. Eso sí, hay otros países de Latinoamérica que vivieron procesos similares pero que no desarrollaron una industria de estas características”, señala la autora.

En ese sentido, la periodista destaca a la capacidad de endeudamiento de la población y al asentamiento del sistema neoliberal en democracia como los factores que propiciaron el crecimiento definitivo de un sector que inicialmente supo de glorias pero que también vivió más de un traspié, como el recordado Rock in Chile -el primer megafestival local, con David Bowie y Eric Clapton, de baja asistencia-, la segunda fecha de Michael Jackson en el Estadio Nacional en 1993 que nunca se hizo y la abortada primera visita de Iron Maiden por esos días.

Cerca de 70 mil personas repletaron el Estadio Nacional para ver al “rey del Pop” en 1993

“No queríamos que fuera un listado de conciertos, sino hitos que generaron un cambio en la industria, en los modelos de producción, en las audiencias, hay algunos que están determinados por el contexto político (…) Sin ese sistema económico y político no hubiese existido la explosión de la industria que hubo. En muchos aspectos se ha instalado la necesidad de consumo, y la industria de conciertos lo sabe aprovechar, mezclando el aspecto emocional y poniéndole un precio. Está esa dualidad que es interesante de conocer y tener clara”, dice Montecinos.

“”Estas historias no van por carriles separados, van al unísono. Muchas de las cosas que van pasando en el país tienen repercusión esta industria y la industria se desarrolla gracias a los cambios en el país”, añade la autora del libro, que efectivamente trasciende al simple listado o a la anécdota y profundiza en las transformaciones del público y en el desarrollo de nuevos actores en el sector, sumando gráficos, cifras, entrevistas y testimonios -además de fotos y hasta imágenes de las entradas originales de los shows- que ayudan a configurar el panorama de las últimas décadas.

¿Qué esperar de los próximos 30 años de música en vivo en el país, en medio de la incertidumbre de la actividad? “Creo que vienen grandes cambios, sobre todo en la época de transición”, dice Montecinos. “El contexto global es súper importante, porque si Chile está controlado pero Argentina y Brasil siguen complicados (con la pandemia), es súper difícil que lleguen grandes artistas a grandes festivales. Ahí la oportunidad que se abre es que la industria se vuelque a lo local. Y van a tener que hacerse cosas más pequeñas, en espacios abiertos, no se van a poder hacer eventos en invierno, por ejemplo”, cierra.

*Arriba del escenario ya está a la venta en diversas tiendas (Tienda Nacional, Disquería Chilena, Antártica, Lolita, Trayecto, Clepsidra, Prólogo, Promúsica, Melomaniaco, Ril Editores). También se puede adquirir escribiendo directamente a las autoras en el Instagram @arribadelescenario o el mail arribadelescenario@gmail.com

El lanzamiento del libro se hará el próximo miércoles 21 de abril a las 19:00 hrs. y se transmitirá por el Facebook de RIL editores y en la cuenta de Instagram @arribadelescenario.

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Editado por Ril, el volumen, ya disponible en librerías y servicios de despacho, se presenta como un exhaustivo análisis de una industria que florece y surge -como la conocemos hoy- con el retorno a la democracia, para expandirse y profesionalizarse en el nuevo siglo a punta de experiencia, vínculos internacionales y no sin tropiezos en el camino. Un libro que, paradójicamente, sale a la luz justo cuando la actividad en vivo atraviesa por su peor momento a raíz de la pandemia, en el mundo y en Chile -con el recital de The Offspring en el Movistar Arena de marzo 2020 como último hito-, dejando una interrogante y la obligación de sortear nuevos desafíos en el futuro inmediato

“Es extraño y para nosotras era medio desmotivante pensar que estábamos hablando algo que ya no está, describiendo una industria que luego de la pandemia iba a ser completamente distinta”, comenta Montecinos.

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Madonna debutó en 2008 en el Estadio Nacional.
Segundo dÌa de recital de Los Prisioneros en el Estadio nacional de Chile. El grupo ofreciÛ sÛlo 2 conciertos en su regreso a los escenarios, con asistencias de 70.000 personas por dÌa. 01/12/2001. Foto: JORGE SANCHEZ

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Cerca de 70 mil personas repletaron el Estadio Nacional para ver al “rey del Pop” en 1993

“No queríamos que fuera un listado de conciertos, sino hitos que generaron un cambio en la industria, en los modelos de producción, en las audiencias, hay algunos que están determinados por el contexto político (…) Sin ese sistema económico y político no hubiese existido la explosión de la industria que hubo. En muchos aspectos se ha instalado la necesidad de consumo, y la industria de conciertos lo sabe aprovechar, mezclando el aspecto emocional y poniéndole un precio. Está esa dualidad que es interesante de conocer y tener clara”, dice Montecinos.

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¿Qué esperar de los próximos 30 años de música en vivo en el país, en medio de la incertidumbre de la actividad? “Creo que vienen grandes cambios, sobre todo en la época de transición”, dice Montecinos. “El contexto global es súper importante, porque si Chile está controlado pero Argentina y Brasil siguen complicados (con la pandemia), es súper difícil que lleguen grandes artistas a grandes festivales. Ahí la oportunidad que se abre es que la industria se vuelque a lo local. Y van a tener que hacerse cosas más pequeñas, en espacios abiertos, no se van a poder hacer eventos en invierno, por ejemplo”, cierra.

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En 1847, la empresa de ferrocarriles London and North Western Railway construyó en Camden Town, zona norte de Londres, un curioso galpón circular que contenía una plataforma giratoria para dar vuelta el sentido de las locomotoras al que llamó The Roundhouse, literalmente “casa de máquinas”.
El lugar se usó porque el tamaño de las nuevas máquinas era demasiado grande para aquella plataforma. Después de servir como almacén de productos varios, entre ellas la célebre ginebra Gilbey’s, fue abandonado hasta que, en 1964, el dramaturgo Arnold Wesker estableció la compañía de teatro Centre 42 y tomó al edificio como un espacio para las artes escénicas. Fue el punto de partida del costado más volado del Swinging London, la escena de la moda y la cultura que dominó buena parte de los ‘60.

Sin embargo, algo mucho más grande sucedería allí: el nacimiento de la psicodelia como estética. Y fue en la “All Night Rave”, una gran fiesta organizada a propósito del lanzamiento del International Times, un periódico alternativo radical. El evento se promocionaba como un “baile de disfraces pop”, en el que los invitados podían “traer su propio veneno”. Fue una noche opulenta y provocativa, en la que se realizaron proyecciones, lecturas y misteriosos “happenings” … y el primer show de unos tales Pink Floyd. Aunque en rigor de verdad no había su primer show el de aquella noche del 15 de octubre, sí lo fue en un sentido formal como The Pink Floyd con la formación original y, por primera vez, ante más de 50 personas, como recordó el baterista Nick Mason varias décadas después.

Afiche original de la fiesta en The Roundhouse.

Surgidos en 1964 del ambiente universitario de Cambridge –Roger Waters estudiaba arquitectura allí- bajo el nombre Sigma, luego mutaron de nombre (y de formación) a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs hasta quedarse The Tea Set conformado por Syd Barrett, Roger Waters, Rick Wright y Nick Mason. A mediados de 1965, volvieron a cambiar su nombre cuando descubrieron que otra banda se llama The Tea Set y pasaron a ser The Pink Floy Sound. Rápidamente se quitaron el Sound de encima, mantuvieron el The por algunos años.


Surgida alrededor del rhythm and blues, la banda pronto se desprendió de aquel sonido para incursionar en aspectos más experimentales de la musical. Con Barret en guitarras y voces, Roger Waters en bajo y voces, Rick Wright en teclados y Nick Mason en batería, Pink Floyd se convirtió en la banda preferida de la escena alternativa de Londres. Era la banda que todos querían ver.
Y fueron muchos los que aquella noche participaron de la fiesta que incluía el show de The Pink Floyd y sus socios de escena psicodélica, The Soft Machine.

Los Floyd, que aún no había debutado discográficamente, ofrecieron un set lisérgico de tres temas: “Astronomy domine”, “Stoned alone” e “Interestellar overdrive”. El primero y el tercero de ellos que meses después serán el núcleo de “The Piper at the Gates of Dawn”, el primer LP de la banda.
Sobre aquella noche legendaria, Nick Mason recordó en una entrevista de 1996 con Mayer Nissim: “No había iluminación ni electricidad, por lo que recuerdo. Tuvimos que traer un alargador de 13 amperios desde un edificio exterior. De vez en cuando la corriente se sobrecargaba y se perdía todo el sonido mientras alguien iba a restablecer el fusible”.


Cuando se le preguntó por la supuesta lista de invitados de la noche, añadió: “Era una de esas cosas en las que se esperaban cien personas y aparecieron mil. Ciertamente (el director de Blow-Up]Michelangelo Antonioni estaba allí y otras luminarias de la época. Creo que Paul (McCartney) estaba allí. Hay un poco de confusión porque el candidato más probable habría sido John, pero sí, Paul bajó”.
A Mason el sorprendió ver a Paul allí y no a Lennon. Pero resultó que el bajista beatle era fanático de los Pink Floyd. De hecho, fue McCartney quien convenció a los ejecutivos de EMI d fichar a la banda de Barrte, Waters & Cía., por lo que tampoco fue casualidad que los Floyd terminaran grabando su primer disco en Abbey Road.
La banda ingresó al estudio a fines de febrero de 1967 para comenzar a grabar lo que sería su primer disco. Al mismo tiempo, en la habitación de al lado, cuatro tipos hacían un tal Sargent Pepper.


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En 1847, la empresa de ferrocarriles London and North Western Railway construyó en Camden Town, zona norte de Londres, un curioso galpón circular que contenía una plataforma giratoria para dar vuelta el sentido de las locomotoras al que llamó The Roundhouse, literalmente “casa de máquinas”.
El lugar se usó porque el tamaño de las nuevas máquinas era demasiado grande para aquella plataforma. Después de servir como almacén de productos varios, entre ellas la célebre ginebra Gilbey’s, fue abandonado hasta que, en 1964, el dramaturgo Arnold Wesker estableció la compañía de teatro Centre 42 y tomó al edificio como un espacio para las artes escénicas. Fue el punto de partida del costado más volado del Swinging London, la escena de la moda y la cultura que dominó buena parte de los ‘60.

Sin embargo, algo mucho más grande sucedería allí: el nacimiento de la psicodelia como estética. Y fue en la “All Night Rave”, una gran fiesta organizada a propósito del lanzamiento del International Times, un periódico alternativo radical. El evento se promocionaba como un “baile de disfraces pop”, en el que los invitados podían “traer su propio veneno”. Fue una noche opulenta y provocativa, en la que se realizaron proyecciones, lecturas y misteriosos “happenings” … y el primer show de unos tales Pink Floyd. Aunque en rigor de verdad no había su primer show el de aquella noche del 15 de octubre, sí lo fue en un sentido formal como The Pink Floyd con la formación original y, por primera vez, ante más de 50 personas, como recordó el baterista Nick Mason varias décadas después.

Afiche original de la fiesta en The Roundhouse.

Surgidos en 1964 del ambiente universitario de Cambridge –Roger Waters estudiaba arquitectura allí- bajo el nombre Sigma, luego mutaron de nombre (y de formación) a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs hasta quedarse The Tea Set conformado por Syd Barrett, Roger Waters, Rick Wright y Nick Mason. A mediados de 1965, volvieron a cambiar su nombre cuando descubrieron que otra banda se llama The Tea Set y pasaron a ser The Pink Floy Sound. Rápidamente se quitaron el Sound de encima, mantuvieron el The por algunos años.


Surgida alrededor del rhythm and blues, la banda pronto se desprendió de aquel sonido para incursionar en aspectos más experimentales de la musical. Con Barret en guitarras y voces, Roger Waters en bajo y voces, Rick Wright en teclados y Nick Mason en batería, Pink Floyd se convirtió en la banda preferida de la escena alternativa de Londres. Era la banda que todos querían ver.
Y fueron muchos los que aquella noche participaron de la fiesta que incluía el show de The Pink Floyd y sus socios de escena psicodélica, The Soft Machine.

Los Floyd, que aún no había debutado discográficamente, ofrecieron un set lisérgico de tres temas: “Astronomy domine”, “Stoned alone” e “Interestellar overdrive”. El primero y el tercero de ellos que meses después serán el núcleo de “The Piper at the Gates of Dawn”, el primer LP de la banda.
Sobre aquella noche legendaria, Nick Mason recordó en una entrevista de 1996 con Mayer Nissim: “No había iluminación ni electricidad, por lo que recuerdo. Tuvimos que traer un alargador de 13 amperios desde un edificio exterior. De vez en cuando la corriente se sobrecargaba y se perdía todo el sonido mientras alguien iba a restablecer el fusible”.


Cuando se le preguntó por la supuesta lista de invitados de la noche, añadió: “Era una de esas cosas en las que se esperaban cien personas y aparecieron mil. Ciertamente (el director de Blow-Up]Michelangelo Antonioni estaba allí y otras luminarias de la época. Creo que Paul (McCartney) estaba allí. Hay un poco de confusión porque el candidato más probable habría sido John, pero sí, Paul bajó”.
A Mason el sorprendió ver a Paul allí y no a Lennon. Pero resultó que el bajista beatle era fanático de los Pink Floyd. De hecho, fue McCartney quien convenció a los ejecutivos de EMI d fichar a la banda de Barrte, Waters & Cía., por lo que tampoco fue casualidad que los Floyd terminaran grabando su primer disco en Abbey Road.
La banda ingresó al estudio a fines de febrero de 1967 para comenzar a grabar lo que sería su primer disco. Al mismo tiempo, en la habitación de al lado, cuatro tipos hacían un tal Sargent Pepper.


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